越剧的改革与变化

越剧为什么走向衰落原因之六：越剧的改革与变化

说了创新说改革．谁都知道越剧在七十年前有一场改革，从那后越剧摆脱路头戏的低俗，登入高雅之堂的艺术门类．这场改革，给越剧注入了新的生命，从此创造了越剧的辉煌成就。当年袁雪芬倡导越剧改革的时代背景，是因为当时越剧没有剧本，没有台词，完全由演员凭着才能即兴发挥，现编现卖。为了吸引观众与营造气氛，自然其中的内容免不了有很多情色低俗的成分。因此越剧被正派的有层次的人士所看不起，剧场老板情愿亏钱借给话剧团演出，也不愿租给越剧团赚钱。受这种社会地位低下的现实刺激，心气刚强的袁雪芬一手倡导了七十年前的那场改革。改革之前的越剧不是没看，甚至很受欢迎，只是内容有点粗俗，随意，不够高雅庄重而已．根据这种现实，于是袁雪芬借鉴话剧京剧等经验，在越剧中也引入了正式的编剧编曲剧务等，不再由演员自己临场瞎编，从此越剧由随意的路头戏变成了正规的幕表戏。当年的改革符合当时越剧发展的内在需要，并且是由从业者自发发起的。所以方向明确，目标坚定，改得得其所然..．这场改革显得既水到渠成，又成绩斐然。现在越剧也不断提改革，但是更多是外行在主张、倡导，并且背景跟七十年前也完全不同，现在提改革的大背景是越剧观众越来越少，不提改革怕从此就要没落．换言之现在提改革只是被缺少观众的形势所逼迫，盲目的喊改革。其实说这话的人自己都不知道应该怎么改革，越剧才有出路，才能让越剧重新兴旺繁荣。

不管有没有提改革，仔细比对，这么多年越剧一直处于变化之中．编导演音舞美一直在变化，只是变化得成功不成功，明显不明显而已。实践是检验真理的唯一标准，改变了这么多，反而越来越失去观众，那么这么多年的变化自然是失败的。

服装越来越漂亮是一种变化，舞台布景设置越来越豪华，不断引入高科技也是一种变化。这么多年，越剧的配乐也有很大变化。现在乐队变得复杂，庞大，甚至引入交响乐。相比之下以前的配乐简单朴实很多。规模不大的几个人组成的乐队跟着演员的演唱，适时的拉琴敲板，看起来朴素，却配合得十分恰当自然，既有利于演员感情的表达，也有利于演员功力的展示．很多时候其实就是清唱，只是适时的敲一下竹板附和一下气氛，完全靠演员深厚的唱腔功力去打动观众，虽然简单听起来却十分过瘾！！现在的配乐越来越复杂，却总有华而不实，没有很好配合演员情感之感，，有时听起来很吵，甚至都掩没了演员的声音，也影响了观众的欣赏．这种变化，或许是当代演员唱腔的个人特色与功力都不足，吸引不住观众，才需要引进这么庞大的乐队来增加吸引力吧。以个人之偏好，总觉得1948-1949年之间这段时间的配乐最合适，此前的太简陋、单一，太老土，而现在又太复杂太吵闹，当然这个只能说是一家之言了。表达语言上越来越国语化，也是一种变化。本人一度也认为越剧要走国语化表达的道路，才能扩大它的影响力。以为用方言唱与对白，不是江浙观众，很难听懂而影响观众的欣赏。但是当欣赏了老辈演员那么多的唱段与表演后，发现越剧还是用方言表达才更好听，才更有越味。如“酒”、“泪”等等，用方言唱远比国语唱要好听多得多，有越味得多。为了避免方言影响观众欣赏，或者应该把对白都打在字幕上来解决。现在的越剧较之前变软变柔变娘，这也是一种变化。浙江地处东南沿海，一年四季气候变化分明，却又温和不燥烈。相应的浙江人的性格比较温和，长相也斯文温婉，说话吴侬软语细声细语，这些都是浙江的地方特色，所以越剧相较于北方的京剧秦腔昆剧，本身就比较温软。但是温软不等于娘，不等于软到没有骨头。老辈们的风格每个人都非常鲜明，但没有一个是娘的。不知道从什么时候开始，越剧变成现在这样娘娘腔了？不管是小生还是花旦还是老生还是老旦，听起来或多或少带着娘味。他们共同特征声音很软，喜欢压着嗓子的唱越剧，不让声音与感情充分表达出来，故意唱得又软又柔。不管她哪一派，一句唱词里总有几个字压抑着嗓子唱的，有的在起词，有的在中间，有的在结尾。徐派与戚毕派可能还好点，范派本身很大气很开放的唱腔流派，但是听到的几个范派子弟同样都有压着嗓子唱的问题。这样唱越剧不知是现在的演员中气不足，嗓音条件不足为了掩饰，还是她们就是这样理解越剧造成的？这种唱法初听也许觉得很美，没有什么不妥当，但是听得久点就非常的单调乏味，让人生厌。不管用小嗓子还是大嗓子唱越剧，只有声腔充分打开了，人的喜怒哀乐、七情六欲才能表达得充分彻底，戏才能打动观众，才能让观众跟着演员同欢喜同悲忧。压抑着嗓子唱，处处给人情感表达不充分的压抑感，让人倍感难受。本人仔细观察过，在老辈演员中除了吕瑞英稍有这样唱法之外，其他的声腔都打得很开放的，完全不压抑。而且吕瑞英本身压得自然，并不让人难受。尹派的低沉深情也不是尹桂芳故意压抑着嗓子唱出来的，而是她的嗓子音域比较狭窄的选择，但是她的声腔同样也是充分打开的。如果连声腔都没有打开，如何让演员各种各样的感情与情绪充分表达出来？不说舞台上的表演如何，单看我们自己日常生活说话，悲愤时，生气时，高兴时，激动时，那个的腔调都是压着嗓子软答答表达的？说话这样，唱戏同样这样。戏曲的特点就是通过唱来表达感情，洞房花烛，金榜题名，跟穷困落难时唱得一个味，如何能打动观众？当下越剧唱腔这种的变化，与其说是越剧的变革与变化，还不如说当代对越剧理解的浅薄……。周恩来曾经批评越剧太软，可他听了徐玉兰的“哭祖庙”后改变了印象，但是现在的越剧是彻头彻尾沦为娘娘腔了。

现在的越剧总以悲情为主，演员们善于悲伤啼哭，却不善于轻松与喜悦，这也是一种变化。动不动唱得哀哭啼啼，好像越剧的精华就是哭！一度本人也以为越剧就是娘的就是悲的，看了老辈大师们的戏后，才知道他们的越剧完全不悲不娘。毕春芳的最大个人特色就是以轻松风趣诙谐见长。周宝奎本是老旦带点小丑的味道，她也成功的起了搞笑的作用，阿林娘让人轻松，珍珠塔里的方卿姑娘让人从头笑到尾。除此之外，其它老辈演员的戏同样也没有一场是刻意悲伤的，不但不悲伤反而非常注重轻松、愉悦观众。贩马记里，本来是实打实的悲戏，在徐王演绎下却悲戏喜唱，一边写状纸一边新婚夫妻互相捉弄逗乐，让人忍俊不禁。虽然妻子的父亲面临杀头之罪，心情沉重而难过，但是新婚夫妻久别重逢，难免还是有轻松喜悦甜蜜的气氛在其中。红楼梦按理也是悲戏，但徐王整场戏下来并没有给人沉重的感觉，前面俩人嬉闹很多，戏中有很多小细节调节着气氛，可以令人轻松发笑；“三盖衣”也是哭戏，金采风一副哭啼啼颤抖抖的样子，但是观众看着却是开心愉悦的，被王秀英这么左右为难、矛盾的心情所逗乐。梁祝，孔雀东南飞虽然都是悲剧爱情戏，观众能被戏里的情感感动和打动，但人不沉重不悲伤；山河恋中尹桂芳捉弄送信小姑娘的那一幕让人哄笑；拜月亭里尹大师那一句，“不要客气，你我是夫妻了”同样让人笑喷。这词显然是尹大师即兴发挥，自己临场加进去的。这样的演绎毫无疑问是成功的，不但愉悦了观众，同时也符合日常生活。生活中男人们捉弄一下不谙世事的小姑娘，小小的沾点便宜，开个无伤大雅的玩笑的情景比比皆是。尹大师实在是对生活观察得很到位，才能在台上演绎得这么轻松出色的！百姓的生活再苦总也免不了这样那样的玩笑逗乐。何况现代人的生活并不悲苦，更喜欢轻松搞笑的作品。《卖婆记》没有刻意搞笑的情节，但突出老太婆老与丑的化妆，跟小伙子的年轻白嫩相映衬，本身就很有喜感。此时的效果是无声胜有声，这部戏充满乡土气息也让人很有轻松亲切之感！西园记里表面上徐玉兰不断哀哭，可实际整出戏是一部喜剧，徐玉兰越嚎嚎哀哭，观众越捧腹笑倒；《九斤姑娘》也没有刻意搞笑，演员演得还很严肃，但整出戏却十分轻松搞笑。书房会里王文娟金榜题名那股春风得意的潇洒劲，令人会心观众自然而然的被逗乐；作弄未婚夫的那副得意可爱样子，又令人开怀；皇甫少华得胜归朝，王文娟一副开心得活灵活现的样子，也深让观众发笑被她打动，愿意看了又看。但是，老辈们带给观众的这种轻松愉悦并不是刻意搔手弄姿，大动作的夸张出来的。而是根据剧情与个人的灵性不动声色，从容不迫的演绎出来的。她们本身是小生花旦，本身并不承担搞笑的责任，却非常懂得通过这些小细节来制造轻松气氛，逗乐观众，愉悦观众，在悲伤中不忘轻松，调节气氛，很好的平衡着舞台上的气氛。所以老辈演员的戏，虽然那些戏的情节早已经烂熟于胸，但是观众就是愿意看了又看，百看不厌，乐在其中！对观众来说看老辈演员的戏，不是看他的情节，而是看他的细节上的情感表达，同时听他优美的唱腔。老辈演员排出一场戏，能一口气演上几十场的原因就在这里。前辈演员对细节的捕捉足够细腻，情感表达可以令观众开怀愉悦，所以才能吸引观众反复观看！而当代演员正是缺了这种意识，缺了这些功力，所以戏不好看，吸引不了观众。看戏本身就是为了消遣愉悦，总是悲戚戚谁愿意看？并且一味求悲也不符合常情。同样的珍珠塔，周宝奎的表演能让人从头笑到尾，可现在的演员在台上动作很大很夸张，看起来很卖力，但观众在台下却看得毫无感觉，甚至生厌。这些说到底是演员表演水平与理解能力问题，但放这里说了。戏曲里生旦丑末净里的“丑”，目的就是搞笑愉悦观众而设置。但是现在的越剧舞台上好像就是小生小旦不断哭哭啼啼，能搞笑的丑角很少见，现在的戏除了哭，能让观众会心发笑的场面太少。越剧的这些变化既是从业者的悲哀，也是越剧的悲哀！看过一点上越的唐伯虎点秋香，没有看完，粗步印象有点周星驰的风格，这种风格作支流，调节一下越剧舞台的氛围或许是不错的，这种探索与努力精神应该给予肯定，但是如果这种风格成为舞台上的主流，就会走向另一种错误。原汁原味的越剧总还需要坚持的。

因为周恩来对越剧发展的指示，因为七十年前越剧改革的成功。使得越剧背上了沉重的创新与改革的包袱。环顾四周，不知还有哪个剧种，哪个艺术门类，像越剧这样被要求创新与改革的！！京剧，昆剧，黄梅戏好像都不曾听过，也许是本人孤陋寡闻了！音乐，电影，电视也完全没有创新与改革的说法。只有可怜的越剧，整天被人念叨着改革，念叨着创新，不管懂行的不懂行的人人都在念叨越剧要创新，越剧要改革。可实际往哪里改，往哪里创新又一团雾水。既然提倡创新与改革提了这么多年，并没有让越剧越来越好，甚至出现相反情况，业界难道不需要好好反思一下这些口号到底有没有问题？本人认为想要越剧重新兴旺，并没有这么复杂的事，根本不必天天提什么创新，改革。就是多创作，多拓展题材的多样性，多鼓励演员追求唱腔的个人特色，踏踏实实的把故事编排好，用细腻的人情世故，情感去打动人而不是只唱仇恨与悲伤。演员的唱腔只要能唱得出鲜明的个人特色，演员的情感表达只要能足够细腻、精确，演得出正常人的七情六欲，喜怒哀乐即可以获得观众的喜爱与认可。编导演，音舞美一起为“创作内容”而共同努力，而不是在表现形式上刻意追求创新，越剧自然就有活路。越剧真的需要这么多的改革与创新吗？本人深表怀疑！！甚至本人认为越剧已经改革过度了，当年的演员们为什么有这么强的创造唱腔，形成流派的能力？是不是跟他们最初自由唱戏，自主设计唱腔唱段的经历有关？现在的演员为什么形成唱腔流派的能力这么弱，是不是跟他们什么都现成的，同时什么都被限制得死死的有关？唱腔已经别人设计好，，唱词也早编好现成的，怎么设计唱段也有人事前安排好，这样看起来正规了，但是演员的创造能力无疑也受到了伤害。现在的演员在舞台上，或许更像被很多幕后人物支配着的木偶，时间久了他们也习惯了被这样限制，失去了自我创造的能力。这只是本人的一种假设，不确定这样的说法到底对不对，但至少现在演员在舞台上的发挥空间确实很有限！唱戏最主要的就是唱腔，这个唱腔是由演员通过努力才能形成的，或许以后应该重新改一改，唱词仍然由编剧先编好，但是要求演员们自己根据自己的声腔特色，对角色情感的理解，自己去设计唱腔。演员才是一台戏成功失败的关键，能不能形成流派也是靠演员自身努力才可以，别人是设计不出来的，放手让她们自己去追求，或许越剧才更有可能涌现新的流派！刚开始演员们肯定会紧张害怕不习惯，但适应后，应该对如何把戏唱好，如何形成自己的流派更有自信，更有活力！

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