I．Associated information:
1、文章选自The World English T. J. Mcnamara
2、辅助双语视听材料BBC Leonardo da Vinci; Michelangelo (40分钟左右)。
II．Language points:
1、 in favor of 对…的偏爱
2、 make one’s pilgrimage 朝拜
3、 bow the knee to 顶礼膜拜
4、 intrigue, appeal, attraction, charm, magnetism, affinity 吸引力
5、 intriguing，appealing, attractive, charming, magnetic, absorbing, come-hither,
fetching, fascinating, alluring 吸引人的, 迷人的; v. obsess, 迷住,困扰
6、 obscure , ambiguous 模糊的，暧昧的，不明确
7、 elaborate pattern, perfect execution，exquisitely，subtly精心制作或描绘
8、 as a sign of humility and submission表现出谦卑和顺从
9、 derived from得益于
10、 a sense of cosmic drama有一种广阔和谐的情趣
11、 depict, portray, paint, draw, render, describe, illuminate, trace out 描
绘，描述
12、 be toured and exhibited巡回展览
III．Suggestions for teaching points:
Pay attention to the skill of translation, the sentence structure in Chinese:
英语从句翻成中文时，用简单句处理比较顺畅。
（参考Unit 2, Image and Imagination 部分句子）
1、 It is this smile which has made the painting celebrated from the earliest times,
and a magnet for admires of art.
2、 Her exquisitely painted hands, drawn with an accurate knowledge of the structure of bone and sinew, are crossed in her lap as a sign of humility and submission as a sign of humility and submission.
3、 In the depiction of Mona Lisa’s head, this skill in surface painting is supported by Leonardo’s knowledge of the skull beneath the skin ——derived from his studies mature woman a sense of cosmic drama.
4、 The mountain forms, arranged in band of scenery, and the shifting viewpoint are
similar to the way landscapes are portrayed in ancient Chinese painting and suggest the same awe before nature.
IV． Answer for Exercise 2
1. preserved 2. covered 3. intended 4. understand 5. made 6. trained 7. to explore 8. admired 9. checking 10. rely 11. challenge 12. explored 13. investigated 14. observing 15. governing
Reading A 参考译文
蒙娜·丽莎
巴黎卢浮宫巨大的艺术馆吸引着成千上万的人们。但有一幅画周围总是聚集着一大群人。如果你推开人群上前细看一下,你也许会惊讶，这件魅力无穷的艺术品竟是如此之小。但是你会倒吸一口气一眼认出来，这就是列奥纳多·达·芬奇的《蒙娜·丽莎》，世界上最最著名的艺术品。
这是油画板上的一幅画，高77厘米，宽53厘米。上面是一位意大利贵妇摆好姿势坐着，眼睛看着观赏者，背景是一处动人的风景，但画的重点是蒙娜·丽莎脸上那迷人、温柔而又神秘莫测的微笑。正是这个微笑使这幅画刚一面世就远近闻名，使艺术崇拜者们流连忘返。
许多人去巴黎卢浮宫就是为了看这幅画。他们对挂在附近的列奥纳多·达·芬奇的其他辉煌作品置之不理。例子之一是《岩间圣母》，它是列奥纳多对解剖学、植物学和地质学研究的总结，画得也十分出色。但是人们对微笑的《蒙娜·丽莎》的偏爱而冷落了它。 《蒙娜·丽莎》挂在防弹玻璃的后面，不仅设置了结实的护栏，而且始终有一位警卫把守。在这庞大的艺术馆走廊里，没有其他任何一幅画享有如此厚遇。
《蒙娜·丽莎》前面总是人群涌动。一些参观者甚至不去仔细观看这幅画本身，他们往往觉得它很小，令人失望。对他们来说，只对这幅画扫过一眼，和它在同一屋子里呆过、朝拜过它，这就足够了。
情况一直是这样。自这幅画问世以来，一直闻名遐尔同时又是一个不解的谜。现在它是如此闻名，以至不管它是在茶巾上还是在电视广告中出现，人们都能一眼认出它的小小细节。它被无休止地拙劣地模仿和复制，但它却声誉长存。有些曾被崇拜了几代的艺术品却最终难保风光依旧。现在谁还向梵蒂冈的阿波罗·贝尔维迪艺术品顶礼膜拜呢？然而在几个世纪的时间里，它曾一直形态的楷模，激励了世界各地的古典主义者。
《蒙娜·丽莎》吸引力的背后是什么呢？它具有独特魅力的主要原因是那难以理解的微笑所表达的神秘莫测。这微笑使每个人都能从那朦胧的、雾一般的形象中为自己找到一点特别的东西。让我们来看一看这幅画，肖像本身很简单。 蒙娜·丽莎坐在椅子里转身向左，带着那个微笑看着观赏者，用16世纪美术史家和传记作家乔尔乔·瓦萨里的话来说这个微笑 “……是如此令人愉悦，与其说它真实还不如说它神圣。”她的坐姿端庄又充满活力。她的头发有些散乱，带着小卷披下来，衣着极简单，也没有戴首饰。一袭面纱挽在右臂，从头上顺左肩垂下。
唯一的装饰是衣服领口上精心制作的打结流苏图案。这种相互交织的花结很令列奥纳多着迷。他的名字也许可以玩味一番，因为在意大利语中 “vincere”正是镶花边或打结的意思。她的双手交叉放在膝上，表现出谦卑和顺从。这双手画得极其完美，说明作者对骨胳和肌肉结构有精确的了解。
这幅不凡的肖像画有两个独特之处：模糊轮廓技巧和引人注目的风景。
模糊轮廓是列奥纳多将颜料调和成烟雾一般柔和的方法。他将光影的转变处理得如此巧妙以至一切都融成一体，看不出线条和界限的痕迹。在描绘蒙娜·丽莎头部时，列奥纳多对皮肤下面头骨的了解——得益于他对解剖学的研究，使得他描绘表象的技艺更趋完善，然而正是她在阳台上的姿势，给了这幅描绘非常成熟妇女的肖像具有一种广阔和谐的情趣。在离她更远更深的地方是一片巨大的岩石风景。风景断断续续，时有时无，宛若梦境一般。这片风景出自想象，而想象又源于多年对岩石构成的研究。
在他的手记里，列奥纳多谈到了艺术家想象力的威力： “你可以设计出大片的土地，塑造山峰，可以看见它们后面遥远天际的大海。” 《蒙娜·丽莎》的背景就是这样一幅风景。风景带当中显露的山的形状，以及散点透视法都与中国古代绘画风景的方式类似，表明对自然有同样的敬畏之情。
这幅存于卢浮宫的油画已失去了它的一些精妙之处。部分保护画面的油层已被磨掉。它被一层绿色的清漆覆盖，色泽模糊，并且四周每一边都被切掉了三英寸（七点五厘米）。这位贵妇人原来是被框在她坐的阳台的柱子之间的，但现在只能看见柱子下端的剩余部分。
这幅画的历史错综复杂。它有将近100幅证据充分的摹本和版本。画中隐约的情欲成分导致了许多裸体版本的产生。有些产生于同一时代，经常被认为是列奥纳多自己所作。这同样的情欲色彩使得弗朗西斯一世把这幅作品展示于他在枫丹白露宫的套房浴室里。而很久之后的一位法国统治者——拿破仑，将之挂于卧室。
1911年8月11日，星期二，人们发现这幅画失窃了。墙上有个豁口，框架和玻璃留在卢浮宫里，《蒙娜·丽莎》不见了。窃贼是意大利人温琴佐·佩鲁贾。后来他声称他本想让这幅画回到意大利，它原本属于意大利。这场盗窃之谜直至四年后才得以解开，窃贼和意大利佛罗伦萨的乌菲齐美术馆馆长取得了联系并且索要一笔赎金。这幅画被追回了。它回到巴黎之前，先在意大利进行了一次胜利的巡回展览。窃贼被判七个月监禁。
近年来，《蒙娜·丽莎》在戒备森严的情况下在华盛顿、纽约、东京和莫斯科巡回展览。到处都吸引了大批观众。《蒙娜·丽莎》神秘的诱惑力依然不减当年。
Exercises 2 and 3 参考译文
莱奥纳尔多·达·芬奇
对于莱奥纳尔多的才智和广泛而多产的创造力，我们是有所了解的，因为他的学生和崇拜者，小心翼翼地为我们保存下他的速写和笔记本，有几千页之多，布满文字和素描，上面有他读过的书籍的文字摘录和他打算写作的书籍的方案。这些册页人们越读得多，就越发不能理解一个人怎么能够在那么一些不同的研究领域中出类拔萃，而且几乎处处都有重大贡献。其中的一个原因大概在于莱奥纳尔多是一位佛罗伦萨的艺术家，而不是专门培养出来的学者。他认为艺术家的职业就要像他们的前辈那样去探索可见世界的奥妙，只是要更全面、更彻底，而且要更专心、更精确。他对学者的书本知识并不感兴趣，这跟莎士比亚一样，他大概也是“不大懂拉丁语，希腊语更差”的人。正当大学里的博学之士信赖享有盛誉的古代作者的权威性之时，莱奥纳尔多这位画家却从不盲从仅仅耳闻而未经目验的东西。每当他遇到问题时，他不依赖权威，而是通过实践予以解决。自然界里没有一样东西不能引起他的好奇心，没有一样东西不能激发他的创造力，他解剖过三十多具尸体去探索人体的奥秘。他是探索胚胎在子宫中发育奥秘的先驱者之一；他研究水波和水流的规律；他成年累月地观察和分析昆虫和鸟类的飞翔，这会有助于他设计一个飞行器，他确信总有一天飞行机会成为现实。岩石和云彩的形状，大气对远处物体的颜色影响，支配树木和植物生长的法则，声音的和谐，所有这一切都是他孜孜不倦地进行探索的对象，这也将为他的艺术奠定基础。
米开朗琪罗
在梵蒂冈有一所西斯图四世教皇修建的礼拜堂，因而叫西斯庭礼拜堂。礼拜堂的墙壁已经有前一代最著名的画家装饰过，其中有波蒂切利、吉兰达约和其他一些人。但是礼拜堂的拱顶仍然空白，教皇建议叫米开朗琪罗去画。米开朗琪罗竭尽全力推脱这个差事，他说自己实际上不是画家，是雕刻家。他确信硬塞给他这一吃力不讨好的差事是他的对手们阴谋策划的结果。由于教皇仍然坚持原议，他就开始动手制订出一个平凡的方案，要在壁龛中绘出十二使徒，并且从佛罗伦萨雇佣助手帮助他作画。但是，他突然把自己关在礼拜堂内，不让任何人走近，开始独自一个人完成这项计划，而这一计划从它出现以来一直是 “震惊全世界” 的壮举。
米开朗琪罗在罗马教皇的礼拜堂的脚手架上孤身一人干了四年，完成的工作十分宏伟，普通人很难想象到一个凡人竟然能够完成那样一项宏图大业。在礼拜堂天花板上画那样巨大的壁画，准备和勾勒出详细的场面，并且把它们画到墙壁上，仅仅这体力消耗也是相当巨大的。米开朗琪罗不得不仰卧，向上看着去画。他实际已经似乎非常习惯于那种大受束缚的姿势，在那一段时间，甚至当他收到一封信以后，也不得不把信举到头上向后仰着身子去读。但是,一个人孤立无援地去画满那么广大的空间这项体力奇迹，若跟它的智力和艺术成就相比，就微不足道了。那些永远新奇的大量发明，各个细部准确无失的巧妙画法,尤其是米开朗琪罗揭示给后人的那些宏伟的景象，使人们对这位天才人物的非凡才能有了頗为新颖的认识。
Reading B 参考译文
浅谈达·芬奇
谁不想和达·芬奇见面并与他进行一次随意的访谈呢？
我认为他是最具魅力和不朽的艺术天才，他超越了历史上任何一个艺术家，这并不是因为他的革新（实际上他并没有多少革新），而是因为他天赋的技巧，他对一切生命、动物和人类生命热情的精彩描绘。
他画的马大多数如同猫一般弯曲慵懒。他的人物画都独特而且价值连城。即使使用最先进的现代科技，仍然没有人比得上他对“波浪”现象和风对云作用等方面的研究。达芬奇对艺术的最伟大的贡献也许在于他柔化了科学，使之服务于美学和美好的东西。
如果我有幸可以问他一些问题的话，我会问：
蒙娜·丽莎究竟是何许人也？
你为什么认为许多自己的作品难以画完？
由于你不断地在《最后的晚餐》上做颜料实验，导致这副杰作上的颜色在你在世之时就开始褪色，每天都有颜料碎片落在地上，你认为这样有必要吗？（事实上，这幅作品现在只能依稀看到轮廓的影子）。
你厌恶米开朗基罗吗？
你喜欢丢勒吗？
你的那些布面油画都是近代伪造的？
你的肖像画《抱貂鼠的夫人》中天使般端庄美丽的年轻女人是谁？
《抱貂鼠的夫人》收藏于波兰一个名不见经传的博物馆内。是板面油画，作画时间在1482～1490之间。我认为，就美感、人物个性和魅力的持久性而言，这是极为出色的作品，仅次于蒙娜丽莎。最近的艺术历史学认为画中的女人是意大利贵族，我不大认同。
这个美丽女人的头上围着一层几乎看不出来的面纱，怀里抱着一只面露狰狞的貂鼠。这是16世纪邪恶的波佩亚的标志。她是暴君尼碌的妻子。你若能更仔细地观看这幅超凡天才的画作（我曾站在它面前一动不动地看了四个小时），就会感觉到在闪烁的美貌下隐藏着一种令人不安的腐朽的邪恶。我真希望我能向达·芬奇求证我的想法。另外，画作的背景是乌黑色的，像北方文艺复兴艺术家，比如丢勒惯用的表现手法，。而意大利画家从不这样做，尤其是达·芬奇，他的每一幅其它作品均可见一扇透着嫩绿风景的窗户。那么，这副画是向丢勒表示敬意吗？
The Poetry of the Land and Mankind
Reading A Impressionism
1. Associated information:
1、 文章选自Art for Dummies Thomas Hoving
2、 展示并介绍文章中提及的部分印象派的作品。
3、 辅助双语视听材料BBC Monet (40分钟) Van Gogh (40分钟) 。
II． Language points:
1、start shaking overnight,
2、on the genesis追根溯源
3、sparkling scenes，flickering light闪闪发光
4、become mesmerized，obsession，intriguing，be taken by沉迷，迷人，被…迷住
5、pattern，style, 模式，风格
6、all aspects of 方方面面
7、deviating from 背离，偏离
8、be packed with 充满了，塞满
9、be a stonished； be puzzled 惊讶，迷惑不解 （程度的渐进）
10、soak up 吸收
11、ranks as (among, along with) 归类为，分…等级
12、in a sense在某种意义上
III. Suggestions for teaching points:
1. Learning something about artists who’s who. And try to make a brief who’s who
about Post-Impressionists, such as Georges Seurat, Paul Gauguin, Vincent van Gogh, Paul Cezanne, and August Rodin.
2. Learn the Notes for the previous units.
IV. Answer for Exercise 2
When the art market had its last explosion of prices and Impressionists fetched (出售) tens of millions of dollars, forgers moved in. They worked fast and how they churned out (艰苦地做出) the fakes is entertaining. The fakers, hoping to create “original” works, but not being capable of inventing new subjects, selected details from a host (许多) of works and “pasted” (剪贴) them together into a new “Monet.” A typical fake had a figure from one Monet, a cow copied from another painting in a museum thousands of miles away, a tree taken from a third, a haystack from a fourth painting, a building from a fifth, and so on. Experts roared with laughter (哄堂大笑) seeing the muddled coming-together of so many famous details painted by Monet over the years.
fake 造假，伪造; faker; forger 赝造者
印象派
印象派只能诞生在阳光明媚的法兰西，因为在这个光荣的国度里，人们对风景、对大地的产物总是抱有热恋般的情怀。法国人常常把大自然比作母亲，从不吝啬表达对大自然的敬畏。这种感受与意大利人全然不同，意大利人对大地和景色的欣赏更直接一些，如同面对一张解剖式的图画。法国人认为大地和风景画是有灵性的，是灵魂在诗意的阳光下的吟唱。这才是我们读解印象派作品的关键所在。
印象派的由来
这场革命运动就像其它所有艺术浪潮一样，并不是一夜之间就席卷而来的。它由许许多多的煽动者和方方面面的力量影响，包括艺术家、艺术行为和各种思潮裹挟而成。对印象派的起源，你也许不需要一个学究式的阐述，那我们就简单地探究导致这一画派崛起的一些原因吧。
富有创见的前驱者
画家柯罗和库尔贝开印象派运动之先河，他们热衷户外写生，专注于在明媚灿烂的阳光下描绘不同时间段里阳光对天空、树木和牧场所产生的效果。他们的理念和爱好促成了像马奈、莫奈和毕沙罗等一批印象派画家的萌生。柯罗敦促画家们千万不要“失去打动我们的第一个美好印象”。像琼坎德和布丹这样的画家则创作出闪闪发光的海滩景色，与以往任何海滩画大相径庭。他们的作品出了名并很快被那些看好者收藏，他们“投资” 闪烁摇曳的光，而正是这闪烁摇曳的光色画风颠覆了整个世界的艺术。
酝酿的思想
1860年前后，艺术家们有种莫名的冲动要到户外作画——法国人称之为“露天派”。像卢梭这些画家奔赴巴比松的乡村，创作出一系列令人注目的风景画。此外，1870年左右，几乎所有的法国画家都沉迷于日本浮士绘的清新彩色蜡笔画以及简约的风格。浮士绘的影响很大，尤其马奈受其影响最为明显。
照相术的出现
Nadar照相实验的丰硕成果极大地影响了印象主义者，他们深深地被这种相当新潮和迷人的媒体所吸引。这也有助于解释为什么他们的人物画比起那些受正统艺术所吹捧的“官方”画家的作品更具有清新感。
科学的推动力
十九世纪末，人们对色彩理论研究的兴趣陡然高涨（这个理论涉及某些情感产生与某些色彩有科学联系），印象派画家对这个理论很感兴趣，并试图将其注入他们的作品之中。与此同时，对心理学和精神病学的研究也开始发展，早期研究人员对人类思维和行为方式的发现，对印象派画家的观察角度和描绘人的方式无疑起到作用。
正统艺术的衰落
十九世纪的法国， 艺术的各个方面——从主题、绘画材料、技巧到艺术家
应该如何创作和创作什么——无不受到强大的法兰西学院的条条框框所制约，法兰西学院从1661年开始渐趋强势。背离它的清规戒律，意味着与精英们参与的年度沙龙展无缘——这些精英上至国王，下至每一位艺术评论家、画廊经纪以及收藏者——因此，也就意味着没有收入。
1863年，学院的地位受到了意义深远的挑战，一群作品遭到年度沙龙展拒绝的画家，包括库尔贝、马奈等唱起了反调，他们举办自己的画展，并称之为“落选者沙龙”。一时间，印象派画展人潮涌涌，热闹非凡。学院派展览失去了一统绘画界江山的地位。
爱德华·马奈的关键作用
在“落选者沙龙”画展中，有一幅作品在很多方面都标志着印象派风格的开端，同时也打出了新独立精神的旗号，这就是马奈的《草地上的午餐》，画中描绘了两位衣冠楚楚优雅道貌岸然的男士懒洋洋地依靠在阳光斑驳的树木旁，旁边则是一个全裸的女性和不远处的一个半裸女人。你也许不会感到诧异，当时的评论界认为这幅画主题荒诞不堪入目。但是你一定会迷惑不解，评论界竟然荒唐地认为马奈用细碎的颜色来强化阳光的闪烁效果以及采用宽条状的颜色的绘画技法是一种道德的沦丧。
事实上，马奈已经远远超越印象派的范畴，是历史上最重要的艺术家之一。他吸收了前辈大师们的丰富经验，尤其是委拉斯贵支。尽管他受前辈影响所创作的一部分宗教题材的画作略显乏味，但是，他的人物肖像画的确引人入胜。如果你去巴黎，我劝你一定要去奥塞博物馆欣赏那幅非同凡响的油画《奥林比亚》——画中的裸体妓女仅在颈上系了一根细小的黑色丝带，大胆地望着观众。他的静物画，特别是玻璃瓶中的花卉，似乎萃集了大自然的精华，纵然尺寸不大，却有囊括万物的浩瀚美感。
印象派“风格”
尽管总的来说，印象派艺术家钟情于表现闪烁的光、太阳、户外和大自然，他们描绘的人物形象也不像古希腊神般气宇神圣端庄，但是必须明白一点，印象派并没有一种持续的、一成不变的风格特征。
毕沙罗是一个纯风景画家，尽管他的人物稍显木然，但是其厚重多彩的色调以及画面所呈现的阳光普照的气氛无不令人惊叹。
雷诺阿算不上是最优秀的印象派画家，从大部分他的作品里，看得出他热衷于描绘病态美的裸体。但是，他的某些油画仍是上乘之作，比如收藏在美国大都会博物院的《夏尔潘蒂艾夫人和她的孩子》（1878），画中的孩子神态可人，懒散的大狗像一块地毯。
德加事实上厌恶印象派，但是尊崇绘画。和莫奈的画相比，他的画显得哑光沉色。他的肖像画敏锐深沉，流露心绪。他的人体画最富于感染力，有时犹如透过锁眼的窥视，宣泄郁积怨恨。他的铜雕则如同他的油画和蜡笔画一样自在而充满活力。
为什么印象派至今仍然如此迷人？毫无疑问，这是风靡全球，最受青睐的风格。印象派阳光灿烂怡人，毫无威胁感，还有很多其它特点。主要原因是这种风格（在某种意义上，时至今日人们还在采用这种风格）恰好能为大自然和人类创造出一种迷人的意像，有助于人们了解和认识自己。正是如此，印象派和其它历史时期最重要的阶段一样，永远不会被遗忘。
文森特·凡·高
凡·高1853年生于荷兰，是一位牧师的儿子。他深深地信仰宗教，在英国，还在比利时矿工中间当过俗人传教士。他对米莱的艺术和它的社会寓意深有所感，决定自己也当个画家。他有一个弟弟叫提奥，在一家艺术品商店工作，把他介绍给印象派画家。他这个弟弟很不寻常，虽然自己很贫穷，但却总是慷慨地帮助哥哥文森特，甚至资助他去法国南部的阿尔。文森特指望能在那里专心致志地工作几年，有朝一日他就能卖掉他的画，报答慷慨大方的弟弟。文森特在阿尔选择了一个僻静的地方住下来，他在寄给提奥的信中，写下了他的全部想法和希望，读起来好像一本连续的日记。这些信件出自一位几乎是自学寒微的艺术家之手，他根本不知道他会享有盛名；那些信件是全部文学作品中最使人感动和最使人振奋的作品之一，我们能够从中感觉到艺术家的使命感，他的奋斗和胜利，他的极端孤独和渴望友好，而且我们意识到他在以无比的热情极为紧张地工作着。不到一年，1888年12月他的身体垮了，得了精神病。1989年5月，他进入神经病院，但是还有清醒的时候，可以继续作画。凡·高痛苦地挣扎着又持续了十四个月，1890年7月凡·高结束了自己的生命——跟拉斐尔一样，死去时37岁，他的画家生涯还没有超过十年；他的成名之作是在三年之中画成的，那三年时间还夹杂有病危和绝望的时期。今天大多数人都知道其中的一些画；他的向日葵、空椅子、柏树和一些肖像画用彩色版复印出来，到处流传，在许多简朴的房屋里都能见到。这正是凡·高所期望的结果。
克劳德·莫奈
如果说马奈是点燃了突破传统绘画技法的火种的话，那么莫奈就是令印象派闻名于世的新技法诞生的助产士：他进一步完善了光和色彩的运用，强化了独特的视觉空间的调和。采用这种技法，画中的色彩和笔触近看混乱模糊、没有焦点 —— 但是，当你后退至合适的距离时，一切都显现出来，营造出完美的意境感觉（印象派风格的精髓）。
1866年，在塞纳河休假胜地Ste-Addresse，莫奈画了一幅充满生机的油画，迈向了印象派画家成熟期坚实的第一步。这是一幅风景秀丽的图象，露台上有一对夫妇，一位年长的绅士，他们自得其乐，河面上正在举行赛舟会。周围鲜花盛开，两面旗帜，一面是法国旗，另一面是西班牙旗，在微风中啪啪作响（我在1970s年代早期为大都会博物馆买下这幅画，斥资140万美元，在当时遭到舆论的狠批，认为花费太大。今天，这幅画的价值是当年的20倍）。
阳光明媚，从阴影的角度可以看得出是在清早，阴影是深色的，略带一点紫色，很柔和。波浪靠近前景，只看得到重重叠叠的笔触。当你往后退几步，作者的签名，印象派的光混合效果开始发挥作用，你可以看到在微风吹抚中涌起的层层白色浪花。只要距离合适，这些景色以及所有的绘画要素都变得自然而然。
莫奈在展览这件表现手法大变的作品时，受到了评论家的猛烈抨击。他沮丧得试图自杀，有好几年不再画这类大胆的作品。1870年，他创作了第二幅激进的作品，名为《印象：日出》。这幅黎明中一艘小船的景象着实惹恼了艺术评论界，讽刺作家路易斯将所有描绘发光的水波或者泛光的效果的作品归类为“印象派”，不无嘲弄意味。
但是评论界的冷嘲热讽以及大众最初的怠慢和不理解，都无济于事。因为印象派很快发展壮大，1880s年代和1890s进入鼎盛期。随后，莫奈画出绚丽多彩、挥洒自如的巨幅《睡莲》系列，印象派趋于成熟。这些作品是莫奈于1920s初在Giverny的画室里创作的。
Unit 7
Frozen Beauty of Sculpture
I．Associated information:
1、文章选自Rodin Agenes Allen & Tim Marlow
2、展示部分罗丹代表作。
3、 辅助双语视听材料BBC Rodin (60分钟左右)， 建议在文章讲到后半部分和结束时分两次播放。
II．Language points:
1、 failed to do something 做……没有成功
2、 be engaged in 忙于，从事
3、 sent to an（the annual）exhibition 送展
4、 be accepted (展品)被接受
5、 be withdrawn from the exhibition 被从展览撤出
6、 against (介词) which the same accusation was made 遭到……非难
7、 in any case 无论如何；总之
8、 be greeted with 受到……待遇
9、 in contrast to 与……形成对照
10、 give oneself up to （向）……自首投降
11、 be besieged被……围困
12、 it is not thinking with … is most difficult, but to think with tradition ….’
是…而不是
III. Suggestions for teaching points:
1、 翻译技巧。短语或句子修饰名词的翻译（摆在所修饰名词之前）， 如：
1) Yet by the end of the century he was one of the most famous sculptors in Europe, with an enormous amount of influence.
2) He seized a momentary expression or attitude and reproduced it in clay with wonderful accuracy and skill.
3) Such a thing would have been impossible and in any case a cast could never have had the force and vigour which Rodin put into his work. 情态动词would, could和动词的完成式连用，表示对过去的事的推断，“想必…”， “可能…”。every work of Rodin’s was greeted with a storm of abuse or of praise.
4) To Rodin it was the characteristics (1) of the individual, the imperfections (2)that distinguish one living creature from another, or the emotions (3)(4) that the individual was experiencing or that he aroused in the sculptor that were interesting. 用it is …that…的结构强调主语the characteristics…, the imperfections…, the emotions。 在imperfections后面有一个定语从句，在emotions后面有两个并列的定语从句。
5) it appears to be just emerging from the block 不定式用进行时态，表示谓语的动作发生时不定式的动作正在进行。
6) “The Burghers of Calais” 《加莱义民》，十四世纪英法百年战争时期，英国军队即将攻陷法国的加莱市，英王爱德华三世提出残酷的条件，要加莱市派出最受尊敬的六个市民到英国军营请降，并被处死，城市才可能保全。
2、 翻译技巧。形容词的或副词翻译，如：
1） wonderful accuracy高度的精确性
2） extraordinarily alive栩栩如生；vividly alive生动
3） amazingly lifelike逼真的令人称奇
4） dramatic quality格外动人
3、 雕塑类词汇：sculptor, sculpture, statue, figure, figurine, model, cast, carve, carving,
handle，mould，smooth，treatment, manipulation, polish
1) Answer for Exercise 2
1. finds 2. buy 3. has 4.works 5. is not 6. honored 7. executed 8. used 9. compare 10. would convey 11. suffered 12. was not elevated
Reading A 参考译文
罗丹和他的作品
十九世纪六十年代，有一位年青的雕塑家三次想进巴黎美术学院都没有成功。但是，到了十九世纪末，他却成为欧洲最著名的具有巨大影响力的雕塑家之一。他的名字叫奥古斯特·罗丹。
罗丹塑像真实。他抓住对象一瞬间的表情和姿态，以高度的精确性和技巧用粘土将他们重新塑造出来，他的人物塑像栩栩如生。
罗丹在他的一生中都陷于和那些不喜欢或不理解他的作品的人的激烈论战中，但他从未丝毫改变自己的观点。烦恼之事从1877年开始。当时他给一年一度的巴黎美展送去了一个裸体的青年男子铜像（他称之为“青铜时代”）。沙龙收下了这个铜像，可是他是塑造的那样的生动和逼真，有些评论家就宣称这人像根本不是他塑造的，而是从活人身上翻铸而成。当然，这种事情本来是不可能的，而且，无论如何，翻铸品决不会有罗丹作品中的那种生气和活力。然而，那塑像还是从展览会上撤掉了。
现在我们可以在伦敦泰特美术馆见到这个雕像，（在那里它被称作《青铜时代》），还有一个罗丹制作的《施洗者约翰》，这件作品也曾遭到同样的非难。
从那里起，罗丹的每一件作品出来总要受到一阵猛烈的攻击，或者是热烈的喝采。他雕刻的人物同那些人们已经学会了赞赏的古典的雕像大相径庭。他不想去创造“理想美人”的雕像，因为在他看来，“自然的人永远是美的”。
我们听说，丹麦雕塑家托瓦森在塑造维纳斯像时，用了三十个模特儿。他对其中的每一个只取其最好、最完美的那一部分。他认为这样就能创造出一个绝对地完美女性雕像。在某种意义上来说，他确实做到了这一点。但是，完美有时也会显得沉闷和平庸。对于罗丹来说，只有具有个性的特征，只有借以区别活人之间不同的不完美，只有个人身受着的感情，或是他在雕塑家心中激起的感情，才是有趣的。
罗丹在诸多方面都是创新者。有时候，他塑造的人像是不完整的，它们没有头或手臂。他感到他摆弄粘土的这种方法、用拇指和其他手指来塑造的方法是最具有表现力的，这本身也挺有趣。就是这样，他常常不把泥塑的表面弄光滑，而是使之不平整和富有变化。当模型最后翻制成金属雕像时，那种粗糙的不规则的表面也就照样复制出来了。
有时，他的石雕作品中人体的头部或者人像或群像的某一部分是用这样一种方式雕刻的，它们看起来就象是从石块里冒出来似的，或者说部分还埋藏在石头里面。石头的其余部分让它粗粗糙糙，不加雕琢，使之和光滑的脸或肢体形成对比。有时，特别在他的后期作品中，他雕的全身像只有头部是刻得细致的，人体的其余部分，衣服等都只是略略示意罢了。
罗丹的一个最有名的雕像是《思想者》，那是一个健壮有力的裸体男人坐像，右肘搁在大腿上，一手支颏，在那里沉思。另一件作品是表现一群憔悴的受难者，名叫《加莱义民》。他们是在加莱被英国人围攻后冒死向英王爱德华三世请降的市民，由于菲利芭王后的说情而免于一死。伦敦的居民可以在国会议院大厦的西头、泰晤士河堤上的维多利亚塔公园里见到这组雕塑像。
够有趣的是，罗丹用雕塑进行创作，他的目的却和同时代的印象派画家颇有异曲同工之处。研究一下他的《巴尔扎克》，就可以得到明证。这个塑像逼真的令人称奇，看上去几乎是画的而不是雕塑的。作者用高超的技术做表面处理，巧妙地揉捏粘土和打磨铜面，使巴尔扎克像的表面浮动着一片闪烁的光，因此格外动人。
不同于许多和他同时代追求自主发展而不被官方认可的画家，尤其是印象派画家，罗丹主要依赖国家或市政的订单。事实上，很多他的最伟大的或最激进作品都是官方订购的产物。这并无损他的成就和天赋，反而彰显了罗丹与某些二十世纪主要印象派艺术家的根本区别。毕加索和其他现代艺术的前驱者试图以几乎是原始的方式再创艺术实践，而罗丹则是从更具内涵意义的层面上去恢复并提升官方艺术。正如他走向生命的尽头时所说的那样，“以原始的孩童式的创作方式去思考并不难，而背负着传统、习惯的造型理念以及所有累积下来的思想财富去思考才是最难的。”
罗丹的雕塑已经成为现代艺术的经典。甚至从未踏入艺术馆的人都熟悉诸如“思想者”、“吻”等形象。罗丹作品最令人难忘之处是它们流露自然情感的和表现个性特征，冰冷古典的塑像从未给予观众如此铭心刻骨的感受。因此，罗丹的雕塑具有长久的生命力，虽然经历了一百多年的风风雨雨，新鲜感和接受度始终如初。
Exercise 2 参考译文
雕塑家的困惑
当代雕塑家常常半幽默、半认真地提到他们一生中的命运。他们感到买画的人很多，但几乎没有什么人买雕塑。他们说，画家可以毫不费事地随身携带他们的装备和作品，而雕塑家却让一大堆各式各样的笨重材料和装备压得喘不过气来。只有需要搬动大乐器的音乐家才能理解雕塑家、特别是以石头或纯金属作材料或是制作大型雕像的雕塑家的难处。
确实，今天雕塑家的处境不象过去那样令人羡慕。粗略地看看文艺复兴时期雕塑家的情况吧。他们从教会、政府和有钱的艺术赞助人那里接受订货。那时候，雕塑既作为室外装饰，又作为市内装饰，是每一个建筑设计中的组成部分。雕塑家由于他们的艺术造诣，不仅工资高，而且极受尊敬。
例如，米开朗琪罗也制作了无数件雕塑，都是作为建筑布局中确定的一部分来设计的。他作为一个雕塑家的伟大成就就在于运用人体形象来表达感情。拿他的《摩西像》和《哈特谢普苏特女王像》作一比较，你可以看出米开朗琪罗的作品已经远远超越了那个埃及雕塑家的作品的和平宁静境界，即使你看不到摩西的脸或造型的细部，他那姿态的气势也足以表达出先知的伟大力量。
在米开朗琪罗之后，虽然雕塑像的需要量仍然很大，但是由于雕塑家长期只注意摹制人像，质量显著下降。实际上，除了奥古斯特·罗丹的成就以外，雕塑在艺术上的屈辱地位直到二十世纪才有了提高。
Reading B 参考译文
亨利·摩尔的作品
1、着衣母婴卧像（实验模型）（1982）
青铜版 9+1
浇铸：伦敦佛罗里尼
长度：78.5cm 标志：Moore C/9
亨利·摩尔基金会：购于1986年
模型和实验模型不仅是塑像作品的一个阶段，而且对塑像本身和最终尺寸至关重要。实验模型通常用石膏或聚苯乙烯制成，不过这件作品却选用了泥土。模型完成后，摩尔的一个助手通过制模法制成一个石膏版，以便摩尔进行修改，直到他满意之后才开始准备浇铸并送到使用“脱蜡”浇铸法的青铜制造间。
2、着衣母婴卧像（1983）
青铜版 9+1
浇铸：莫里斯辛钠，巴辛斯多克
长度：265.5cm 标志：Moore C/9
亨利·摩尔基金会：购于1986年
这座雕塑的最后放大是以浇铸的实验模型为参考，并运用坐标格系统成比例放大。比例中，雕塑是用聚苯乙烯放大的。同其他方式比起来，聚苯乙烯即轻又易于操作。由于不能用它处理表面细节部分，仍需要石膏浇铸以便在最后青铜浇铸前进行修改。
3、大型立像：刀刃 （1961）
青铜版 6+2
浇铸：柏林贺曼，努瓦克
长度：358cm 标志：Moore CC/6
亨利·摩尔基金会：1986年所得
在摩尔1932年的笔记中，他做了大量的动物和鸟类骨洛的铅笔写生，再把他们直立起来，转换成雕塑构思，并赋予它们重力的感觉以表现地面和支撑的概念。三十年后他用三维的方式做同样的事情，取出鸟类的胸骨，加入泥土并形成一个放大的青铜模型。骨头份量虽轻却十分结实，恰好是青铜表现出来的性质。随着人们在雕塑四周的移动，飞翔的刀子边缘的形状会在人们眼中变成一个岩石质地的扁平飞机状。题名却隐含另外的意思，因为形象在刀子边缘上盘旋于代表性和神秘性之间，好像卢浮宫里的胜利女神像一样，抑或被比较于精神性和抽象性之间。
4、刀刃两件套（1962~1965）
青铜版 3+1
浇铸：柏林贺曼，努瓦克
长度：366cm 标志：Moore C/3
亨利·摩尔基金会：艺术家本人1977年捐赠
怀着对美丽风光的感情，两个部分间的缝隙在两面狭窄的断壁间留出了一条通道。外形出人意料地起起落落，尖利的边缘刺向天空。有着天然绿锈的粗糙质地衬托出了光滑的琥珀。摩尔达到了一种均衡状态，一种优美线条和庄重雕塑之间的微妙平衡。最初的灵感来自于骨头的碎片。摩尔非常欣赏骨头所具有的结构感和雕塑感，以及轻巧和力量的结合。他特别提到鸟的骨头具有“刀刃般的轻盈。”
5、大型纺锤件（1974）
青铜版 6+1
浇铸：柏林贺曼，努瓦克
长度：335cm 标志：Moore C/6
亨利·摩尔基金会：购于1986年
该作品属于六十年代末七十年代初的一批作品中的一个。它把拟人的因素与有机的作品融于一体，是抽象性和人类活动融合的产物。明显的代表性消失了，同时对图像支撑物如椅子、木墩、长凳、垫座等的需求不复存在。作品最初是从中继厚两端尖的燧石发展而来的。摩尔先以泥土浇铸，而后用石膏做模。这是他为数不多的四种尺寸的作品之一：模型、实验模型、纪念性青铜、高达4.5米的石灰华大理石。
6、两件套卧像：触点（1969）
青铜版 7+1
浇铸：柏林贺曼，努瓦克
长度：365cm 标志：Moore C/7
亨利·摩尔基金会：艺术家本人1977年捐赠
整个六十年代和七十年代摩尔制作了一些大型雕塑，探索两个既独立有关联的形态之间的关系。这次展览我们可以看到这样的作品。在这些作品当中，每个元素之间的“负”空间对体验雕塑的整体效果起着非常显著的作用。通过有机形式的风景雕塑，摩尔对人物形象完全升华，把形象与风景的关系推进了一步。他解释道：“我意识到合二为一的优势就在于能够把人物和风景联系到一起。膝部和胸部就是山脉。如果把这两部分分开了，你就不会把它看作是自然主义的形象，你就自然而然地把它看成是一道风景，或者是一块岩石……，如果风景融入作品，那就是一个惊喜，你会看到更多意想不到不到的东西……，如果某人将其中一个挪了一英寸，那么空间就不同了，整个关系也会随之改变。”
Unit 8
Freedom of Creativeness
Reading A The Artist
I. Associated information:
1、展示部分Meissonier, Turner, Dürer and Constable作品。
2、辅助双语视听材料BBC Turner, or Dürer ; Art of Persuasion (研究生课)。
II. La nguage points:
1、 be born with an urge to do…天生就有……的欲望
2、 in great detail 非常详细地
3、 too fearful to practise 因为胆怯而不敢付诸实践
4、 be ignorant of对……无知
5、 see beyond the belief 并不仅仅是相信
6、 the distinction between ……之间的差异
7、 as an apology （为某种哲学、宗教，思想等）辩解
8、 be oppressed 压抑，压迫
9、 be divorced from 分离
10 、confuse … with…糊涂，混淆
III. Suggestions for teaching points:
This unit is suggested for the post-graduates for its point of view and context.
1、 The notion that…同位语从句
2、 the idea that…同位语从句
3、 If spiritless imitation achieved with…, the Dutch still-life painters would have been…. 虚拟语气
4、 If the layman would lower…, then the wonderful world of art would be opened to him. 虚拟语气
5、 The idea that in order to become an artist…同位语从句
6、 Those who did not employ tricks as Constable had done were completely neglected by the critics and so-called artists who were the judges of official exhibitions. 两个who引导的定语从句
IV. Answer for Exercise 2
1. professional 2. reproduction 3. overwhelmed 4.lines 5. impression 6. portray 7. doubts 8. vital 9. proportions 10. collection 11. breath 12. geniuses
Reading A 参考译文
艺 术 家
人天生就有创造的渴望这一观念并未被大众普遍接受。令人遗憾的是，即使是自发地去尝试一下他们也许要为之负责的任何事情，仅仅这念头本身就令他们退而怯步了。父母、老师和我们与之接触的每一个人都告诉我们说成为一个艺术家必须要有天赋，而有天赋的人是极少的。我强烈反对这种观念。我们都是天生的艺术家，只是我们生来具有不同的个性、气质和毅力，所以没有多少人有足够的勇气去领略这份美妙的自由和承担创造所附带的责任。
从无到有这一创造历程比实际结果更加激动人心。艺术成功的目标应该是满足和适意。如果你感到高兴和满意（艺术家是可以对自己的作品感到满意的），那么你所创作的画作就是好的。即使不可能与其他艺术家那些被视为好的作品相比较，以你自己的标准衡量就是好作品。这也应该是艺术家的终级目标。以竞争的方式有意识地下功夫只会导致失败。
有几间我非常敬重的美国艺术学校，那里的学生往往一连几周或者几个月致力于同一件作品方案。当他认为完成了，就回与老师非常详细地讨论该作品。之后，作品就会被撕成碎片扔到垃圾桶里。这真是个好主意，给了学生大胆尝试的自由，缺少这份自由和主动，他们可能会因为胆怯而不敢付诸实践。这种学生永远不会像画家常做的那样，为了保留作品的某个部分而修改作品的其它部分，仅仅因为那个部分看上去太好了而不忍舍弃。
画家和固执己见的门外汉可能会争论说自然原本就是美的，如果我们客观地描绘我们所见到的，那么我们的画作也会是美的了。但是，这是一个基本的错误。一位画家所绘制的最美丽的花束，无论他的技巧多么娴熟，也只会让那些对于创作本质一无所知的人感到满足。想一想“荷兰小画派”的画家们。如果空有完美技艺而毫无精神内涵而言的摹仿品可以被定义为艺术家层次的艺术品的话，那么荷兰的静物画家们就可以成为所有时代中最伟大的大师了。门外汉要是能减少抵制，并不仅仅是相信那些被誉为大师或天才的之所以伟大是因为别人都这么说，而是自得其乐，完全地放松下来，让画作对他述说，那么精彩的艺术世界将向他敞开。这需要有一种求变的自由的感觉，需要有一份对预见性思考带来的责任感的释然。在更新思路的同时，他将承担走向对他来讲是未知而神秘的道路所带来的新责任。
现在，我们应该研究或者说抵制一些现代的观点。普遍学美术的学生，即使他有明确的渴望，也从来不敢在没有学校指导的情况下动手画画。他如果尝试着那样做了，他身边的人乃至他本人都不把那当回事的。要成为一名艺术家就必须学习所有的艺术规则和定律，这一观念好几个世纪以来就已经深植于人们的头脑中。过去，并不存在画家有异于艺术家的观念。好与差的艺术家之间的差异是在艺术家具有或多或少天赋的基础上被认定的。任何异想都遭到遏制。其结果是，十九世纪下半叶在巴黎的盛大沙龙和伦敦的皇家学院举办的“官方”展览，水平可悲的低下。此时的艺术意味着技法娴熟的战争场面、静物、花束或风景画幅制作；这些画作生硬刻板，就像电影广告照片。个体之间的差异仅从绘画的外表面貌略见端倪。“质量”甚是肤浅，衡量的标准就是技艺的高下。在十九世纪之前，除了个别天才以外，任何意识形态或技术的创新都是不被接受甚至不能思想的。这个衰落的过程大概持续了两百年。
说到天才如何运用他们的智慧保持自己的创造力的完好，康斯坦布尔是一个鲜明的例子。他把一些大作品画成同样尺寸的两幅，其中一幅称为“草图”，另一幅放在皇家学院展览。“草图”是杰作，送展画则是技艺精湛的画家手笔。“草图”这个词现在不太常用了，但是从前的艺术家却为它保留着特殊的位置。艺术家用它作一种补偿，展示他们不受约束的创作直觉。在“草图”里艺术家的创造力清晰可见，可是究竟有多少艺术家的创造力在潮流与时代精神的影响下备受压抑，这是一个令人悲哀但有趣的研究。而那些没有像康斯坦布尔那样用招的艺术家就被作为官方展览评委的评论家和所谓的艺术家们完全忽略了。值得一提的是塞尚曾年复一年地将作品送展，但总是遭到拒绝。在他的一生当中，只有一张小画被展出过——出于慈善的姿态——沙龙把他的画挂在第三排，靠近天花板的地方。
然而，创作的渴望是不可能完全被压抑的。法国印象派画家的革命性主张迫使通往创新的大门敞开了。
所有革新的主要特征就是自由：使用个体创作方式的权利。艺术家们越来越不接受条条框框和陈规陋习的束缚。投入未知之中“走自己的路”的态度改变了这些艺术家。他们越来越远地漂离社会的既定传统。玩世不恭开始了。就这一点，我要强调的是这种自由从来没有与非常严肃的艺术责任感分离。那些把知识性与创造性混为一谈的人也许很难理解。
Exercise 2 参考译文 (1)
丢勒和他的自画像
早在我接受训练成为一名专业的艺术史学家时，就见过丢勒在12或13岁时用银尖笔画的自画像。做画的时间大约是1485年。我为丢勒融合两种全然不同的元素——精确性和不精确性,感到折服。比如,表现年轻人飘逸的头发的线条就好像是在放大镜下画出来的，实际当然不是这样。画面中这个青春期前少年给人的整体印象是有些柔弱，带有一种青少年共有的困惑表情。让我感到肃然起敬的是这样年轻的一个孩子竟然能用成人的方式完美地刻画自己，尽管有些笨拙。
之后，我开始了对他的研究，我意识到尽管丢勒傲慢自大，和艺术史上的其他艺术大师一样，但他从来没有摆脱过对自己的怀疑。他的座右铭是“因为我能”傲慢吧？也许。特别是当你看到他那些空前绝后的画作时，座右铭便应验了。或许他并不傲慢。因为甚至在那些完美的作品中犹豫和疑虑都清晰可见，丢勒的天才就在于他太出色，没有必要去掩饰细小的瑕疵。他无须用纯粹的技术来掩饰。他觉得在他的作品中最重要的从来不是去画人体完美的比例，而是去画人体在真实世界里的比例，真实的人体有点弯曲，因为人体总是处在运动之中，并且人的视角是倾斜的。我认为，这也就是为什么他的肖像画总是如此感人，具有神秘的活力。
我曾经有机会将丢勒的几幅素描作品拿在手中——那是大都会博物馆收藏的最精致的丢勒习作。当我把珍贵的画稿捧到眼前时，似乎有东西隐藏在画中，像一股电流从画面射向我。我不得不屏住呼吸。那是许多年前的事儿了，但是有几次不经意间，我突然想起那些精彩的画作，人物形象历历在目。我深信，像丢勒那样的天才，他们的作品必定蕴藏一种内在的力量。
Exercise 2 参考译文 (2)
特纳的风景画
威廉·特纳，英国画家，是十九世纪风景画最具独创性的天才之一。特钠有幻想世界的景象，沐浴着光线，闪耀着美丽，但那世界却不是安宁，而是运动，不是单纯和谐，而是壮丽炫目。他的画中洋溢着能够加强画面动人性和戏剧性的一切效果，如果他不是那样伟大的艺术家，这种给予公众强烈印象的愿望本来大可造成不可收拾的后果。然而他是那样一个高超的舞台监督，他以那样的兴致和技艺去工作，使得他成功地化险为夷，而且他的最佳之作的确使我们感受到大自然的最浪漫、最崇高的壮丽和宏伟。特钠最大胆的画作之一——暴风雪中的汽船。如果我们把这个旋转的构图跟佛利格的海景画相比一下，我们就能认识到特钠的方法有多么大胆。那位十七世纪的荷兰艺术家不仅画出了他一瞥之下所见的东西，而且多少画出一些他知道存在于其中的东西。他知道一条船怎样建造，怎样装配，看着他的画，我们也许能够重造那些船只。然而依照特钠的海景画却没有人能够重造一艘十九世纪的汽船。他给予我们的仅仅是黑暗的船体和勇敢地飘扬在桅杆上的旗帜这么一个印象——一个跟狂风怒涛的印象。我们几乎感觉到怒风在疾吹，浪涛在冲击。我们根本没有时间去寻求细节，它们已经被吞没在耀眼的光线和阴云之中。我不知道海上的暴风雪是不是看起来确实如此，但是我却知道我们在读浪漫主义的诗篇或听浪漫主义的音乐时所想象的正是这种令人憟然生畏、势不可挡的风暴。在特钠的画中，自然总是反映和表现人的感情的。面对无法控制的力量时，我们感到渺小和束手无策，就不能不赞美那随意支配大自然力量的艺术家。
Reading B 参考译文
时代精神
不怕慢，只怕站。 ——中国谚语
艺术馆认为需要拍卖一些早期购买的作品这种事情是令人悲伤的，这确实又为我们提供了一个案例，再一次强调了画匠和艺术家之间的不同。我认为艺术馆处理掉这些画是错误的。因为艺术馆有两个功能：一是展出艺术作品。二是为研究各个时期作品的价值波动提供机会。
1906年我第一次参观巴黎的罗浮宫Louvre，大约有12幅梅索尼埃（Meissonier）的画在展出。我摘录《罗浮宫》不久前提及过一句：“是写实主义……公众舆论把Jean Louis Ernest Meissouier的声誉推向艺术的巅峰，由于其本人的缘故，最近几年人们对他的评价变得较为客观。”这句话善意地说明他已经被完全遗忘了。作者总结说：“……虽然罗浮宫拥有不少于29张梅索尼埃的画。”
如果一个艺术馆的管理者并不为他们前任的错误感到羞愧，如果他们有勇气告知观赏者展出这些画并非是因为它们的美学价值，而是为学生展出，那么这些画就会为一个有用的目的服务：它们会有教育价值，并将唤醒外行观众的批判功能，而非停留在简单的喜欢或不喜欢作品的层面上。
这些作品将会展现它们那个时期的风尚和时代精神。它们当然不是艺术品；是画家高超的技艺蒙蔽了买家的判断，认识到这一点是挺有趣的。仅仅与画家或艺术家共处同一时代甚至能使蒙蔽专家的判断力，这一点也就变得更清晰了。在我看来，这些作品被认可并在博物馆里悬挂了五十年之久，就这一点而言，便应该值得喝彩，然后再做客观评判。经过五十年岁月长河的冲刷，如果是画家的产物，徒有技巧而缺乏创意，就可以辨识了。
有些几千年前创作的艺术作品，至今仍然可以撩拨我们情怀，也就是审美情感。相反，有些三四十年前创造的作品在作者死去不久就淡出了人们的记忆。把这种情况归咎于创作者的天赋差异是荒唐的。这有着在完全不同层面上的、根深蒂固的心理根源。如果我们说这归因于个性、意志力、许多有意或无意的目的，以及束缚创造欲望的种种障碍，我们将接近事实的真相。这个问题的最终解答就是，被人们很快遗忘的是画家；被人们铭记的是艺术家。
Zeitgeist是一个德语词汇。它的表面文义是“时代的精神”。 Zeitgeist这个词现在经常被英国和美国的作家使用，有两个理由：第一，如果你能完全理解这个词，它似乎比英语相应的词条更有表现力；第二，它用一个词代替四个词。
我们说的时代精神是指一个特定时期的观念、理论、习惯和风尚的混合。它的影响是无法避免的，除非是傻瓜。它的影响在当时是显而易见的；画匠和艺术家都同等程度地、强烈地受到影响。我可以这么说今天的时代精神的标志就是妄自尊大。这在历史上并不寡见。摩天大厦、高速公路、轨道飞行，越来越大的商业托拉斯，越来越大的商业联盟，不断增加的关于延长人类生命的研究——这一切都与妄自尊大无关。我确信，主要原因是持续增长的人口。但是不可否认那些超大的、纪念碑式的东西构成了我们集体生活的框架。结果是工作时间缩短了，机械性的、事物性的工作导致人们烦躁、乏味和无法正常生活。这个框架并没有被我们与生俱来的欲望、感悟、自然习性和幻想所美化，而是被极度的挫折感、逃逸的欲望、自卑情结、绝望和无助所笼罩。它刺激了年轻一代的反抗。
在艺术世界里，症状惊人的相似。50层或更高层的大厦，巨大机械建筑——今天的时代精神元素——迫使艺术家和画家去创造越来越大的画幅和雕塑，与此同时，对艺术家创作意义重大的生存空间却变得越来越小了。
诚然，人类出生在一个拥有山川、山谷和无限广阔的天空的世界里，这个浩瀚的世界吞没了人类，并使人类感觉到自己的渺小和谦卑。几个世纪以来，在风景画中，人和动物都被画得很小或者画在不重要的地方，目的是要显示自然环境的雄伟与物种的卑微之间形成的巨大反差。随着巨大的人造景观的产生，这种谦卑感消失了。
Modern Art: The Bold, the Beautiful,
I. Associated information:
1、文章选自Pablo Picasso Margaret Kurilecz
2、展示部分Picasso代表作。
3、辅助双语视听材料BBC Picasso (40分钟左右)。
II. Language points:
1、 phenomenon of the twentieth century 20世纪的一位非凡人物
2、 competing with … for 和（人）……的竞争
3、 struggle against进行斗争
4、 volcano in eruption喷发的火山
5、 penetrate further into the world and into …深入观察
6、 ranks among属于……之列
7、 merit the name理应得到……称号
8、 break through突破，穿过
III. Suggestions for teaching points:
1、介词短语和分词短语的使用：
1) To know all, without having learned it, …无师自通
2) Without having had a real teacher, …没从师于任何真正的良师
3) He has been attacked, defended, explained, slandered, and honored. 有人对他攻击，有人为之辩护，有人作出辩解，也有人加以诽谤，也有人表示尊崇。
4) Driven by a passion to create, …受创作热情的驱使
5) Completely absorbed in his art, …全神贯注于
6) Believing it is the artist’s function…由于相信艺术家有责任……
2) His giant canvas, Guernica, made in 1937 to commemorate the Basque town bombed by German planes flying for Franco in the Spanish Civil War, is a picture of a ruined world with strange shapes of dying horses and murdered children.
2、 专业词汇：
oil paintings, water colors, gouaches （绘画类）; drawing in ink, pencil, pastel, and crayon（素描类）; etchings, woodcuts，lithographs（版画类）; sculpture（雕塑类参照U7）; compositions of paper, cloth, wrought iron, wood, sheet metal（各种材料合成类）; photographs（照片类）; designs for theater costumes and scenery（舞台设计类）; and pottery （陶艺）
Reading A 参考译文
帕勃洛·毕加索
莫里哀写道：“未学而通晓,是伟大艺术家的一个特征。”据此标准，帕勃洛·毕加索生来就是20世纪的一位非凡人物。他还不会说话，就能作画。到了六岁，他已画了几百张纸的画稿。当他年届13岁时，已经教了他六年的父亲把自己的颜料和画笔交给了儿子，从此就再也没有动笔。15岁那年，帕勃洛在和成年画家争取考入巴塞罗那美术学院的竞争中，用一天工夫就画出了其他画家要花一个月才能完成的作品。25岁时，毕加索的画技已经趋于完美，从而保证他享有艺术家的光荣地位。并还没从师于任何真正的良师，他就在其事业的开端成为艺术大师了。
那段经历已使毕加索成为我们这个时代最为重要的画家，然而人们对他有褒有贬，其说不一。有人对他攻击，有人为之辩护，有人为之辩解，也有人加以诽谤，也有人表示尊崇。谈到他自己，毕加索说：“作为一个艺术家，我终生从事的，不外乎是对反动势力和死气沉沉的艺术进行坚持不懈的斗争。” 受创作热情的驱使，他从不重复描绘同一事物，对他说来，没有不可能采取的形式，也没有无法应用的素材。有人谈到毕加索时说：“他喜欢每一个题材，对他来说，任何事物都可入画。” 毕加索本人解释说：“艺术家能接受来自四面八方的情感：来自天上，来自地面,来自一张纸片,来自转瞬即逝的形态，来自一张蛛网。”用一辆损坏的自行车的零件，毕加索能够组成一个强健有力的牛头，一个受人喜爱的题材。用他那小巧好看的手握着的铅笔，他能连续一笔画出一个或者人一个动物。
毕加索全神贯注于他的绘画，往往在夜间挥毫以避免干扰，他创作起来如同呼吸一样自然，一气呵成。有所发现而产生的兴奋情绪使他不停地工作。他拒绝接受衰老和死亡的想法。像喷发的火山那样，他倾泻出形式繁多的作品：油画、水彩画、树胶水彩画；钢笔画、铅笔画、彩色粉笔画和蜡笔画；蚀刻、木刻、平版画；雕塑；用纸、布、熟铁、木头和金属片构成的图画；逼真的描绘；戏装和布景设计；在他的晚年，还从事陶器图案设计。在他之前，任何一个艺术家在其一生中间都没有产生那么多的作品，后人会像他们谈起莎士比亚的作品那样，公认毕加索创作之多是无与伦比的。
毕加索的艺术并非只是一种供人赏心悦目的消遣作品。他相信艺术有助于进一步深入观察世界和人，以加强对人生的认识。用他锐利的感官和那双敏锐而明晰的黑眼睛， 毕加索对每一项研究对象都有与众不同的独特见解。他力图表现其研究对象的精神实质。他向人们指出应当如何领会美的新概念。他使人们认识到了美可以有种种不同的形式。“在这改革和变革的时期，现今正是采用革新的绘画手法而不像以前那样挥动画笔的时候了。”这就是毕加索的想法。由于相信艺术家有责任去发现新的表现形式，他解放了艺术并使我们对艺术的感受更加敏锐。
毕加索使整个艺术保持活力和生机。他的作品包含着整个传统，又预示着艺术的未来。他的早期画幅朴实明快，大都因袭前人的笔调。然而毕加索是第一批欣赏非洲原始面具和偶像的生动性的艺术家之一，那些面具和偶像是第一次世界大战前他在巴黎的展览会上见到的。后来，他对塞尚所分析的艺术家的世界作了再创造的试验，“你必然会在自然界看到圆柱体、圆体、锥体”——像有一位艺术家所说的“小立方体”。这种对世界的立体感开创了绘画史上的一个新时期，并影响了20世纪上半叶的自我表现的各种形式：雕塑、建筑、舞剧、舞台设计以及所有的装饰艺术。甚至现代战争中使用的“之”字形伪装也受到了立体派艺术的启发。
1925年，毕加索开始探索尚未被描述的世界：超现实的世界，现实之外的梦幻世界。他遨游于那些未经探索的精神领域，表达出了艺术家们从未表达过的思想。1937年为了纪念在西班牙内战时期被飞往援助佛朗哥的德国飞机轰炸的巴斯克城，他创作了巨幅油画《格尔尼卡》，这是一幅被毁坏的世界的图景,画面上有形状奇特的垂死的马和惨遭杀害的儿童。这是用普通人所不理解的语言来反对现代战争恐怖的强烈表现方式。许多人至今还不能接受这种经过变革的现代艺术，毕加索对现代艺术的影响超越任何一位艺术家。或许在以后的很多年间,他的艺术还不会被人们所充分理解。“谁都想理解艺术”，毕加索断然地说，“那么为什么不努力去弄懂一只鸟的鸣叫声呢？”他进一步解释：“我不懂英语，我对英语书一窍不通。这并不意味着不存在英语。如果我不能理解我一无所知的东西，那么我为什么要指责别人而不指责我自己呢？”
在那些能够理解毕加索的艺术的人看来，他属于那些启迪世界、帮助人们更清楚地理解生活的伟大艺术家的行列。正如本身就是伟大艺术家的米开朗基罗所说：“有些人理应得到雄鹰的称号，因为他们超越其他所有的人，并且冲破乌云而见到太阳。”在艺术领域，帕勃洛·毕加索无疑是只雄鹰。
Reading B 参考译文
现代艺术：主义与风格
现代艺术的诞生并不是伴随着立体派的创始人毕加索和巴拉克的出现哇哇初啼的。现代艺术的风格成长是渐进的，是由方方面面的影响交汇作用而形成的。有些影响的因素比较明显，比如塞尚后期作品中的自然状态化成了各种各样的圆柱体、圆体和立方体的碎片。
在立体主义产生前后，有很多的风格或者“主义”的出现。下面所列举的是令人难忘的一部分。
野兽派
野兽派一词是艺术评论家沃塞最先提出来的。在1905年巴黎沙龙画展上，他看了马蒂斯和德兰等人的作品，作品中风景和人物变成了强烈的色彩冲突——肉色调与紫色的混合，又正好和阿尔伯特·马克的雕塑摆在一起，便评论道：“被野兽包围的多钠泰罗。”现收藏在哥本哈根国家博物馆的《马蒂斯夫人》（绿色线条），是马蒂斯这类狂野风格中最具有表现力的作品之一，画面人物的鼻子上画了一道绿色条纹作阴影。
桥社
桥社运动1905年始于德国的德雷斯顿，1913年解散于柏林。桥社的意思是通向未来艺术的“桥梁”，这个运动的创始人包括有赫克尔、凯尔希纳、罗特鲁夫等，1906 年帕克斯坦和诺尔加入。由于对非洲、大洋洲和中世纪德国艺术感兴趣，这些艺术家通过艺术情感寻求真实。画面特点是外形和身体细部严重变形、过分装饰、原始、色彩野性十足。
青（蓝）骑士派
青骑士派的命名源自俄国画家康定斯基1903年的一幅画，画中描绘一个蓝色裸体骑士骑着一匹蓝色的马。这件作品成为康定斯基和马克1911年在德国墨尼黑创建的青骑士派的标志。“我们两人都喜欢蓝色，” 康定斯基解释道。“马克喜欢马，我喜欢骑士。”然而，康定斯基和马克都是富于使命感的艺术家，他们主张并鼓励与绘画、文学和音乐进行对话，目的是“从根本上扩展有表现力的创作。” 康定斯基愈走愈远，进入了纯抽象，通过音乐和情绪产生的灵感来创作。康定斯基是当之无愧的抽象艺术最重要的倡导者。他的纯抽象艺术代表作大都收藏在纽约哥根海姆博物馆，这也是其被称为抽象艺术博物馆的缘由。毕加索觉得抽象艺术和客观绘画令人费解，认为没有主题就创作不出真正的艺术。
未来主义
这是意大利的一个流派，与立体主义有联系，1909年至1916年在米兰风行一时。倡导者是诗人马里内蒂，他在1909年的一次演讲中说：“一辆疾驶的汽车比胜利女神更美丽。” 未来主义号召砸毁所有的博物馆。未来主义的代表人物有巴拉、波丘尼等。
构成主义
这个立体主义的分支诞生于1920s年代，主要是两个雕塑家的作品，他们恰好是两兄弟，加波和佩夫斯奈。随后，引发了苏联的红色构成主义，代表人物有雕塑家塔特林，他试图创造一种分离的、科学的“文化机器”去服务于当时的社会需要。
至上主义
这是苏联在20世纪初至20年代一个短命的纯化论者的运动——现代主义的第一个抽象绘画风格，对纯抽象绘画的形成的确实有一点影响，被称为至上主义。创始人是梅尔维克，他以极少的、绝对的纯造型而出名。在纽约现代博物馆可以看到他的标志性作品，《白色上的白色四方型》（1918），简简单单，白色背景中的一个白色四方型。他更像是一个理论家而不是画家。他的作品常常赋予政治潜台词，无可否认，现在看他的作品有些隐晦难懂。
达达主义
作为一个艺术运动，达达主义一出世就不同反响，疯狂至极。这是由聚集在Cabaret Voltaire的一群对艺术头脑发热的异想天开者于1916年在苏黎士发起的一场运动。达达主义所向披靡，横扫柏林、巴黎和纽约。根据其精神领袖扎腊的行为，与其说达达主义是一种新的风格或是技巧，不如说是一种有目的的精神错乱。在一次“严肃”的达达集会中，扎腊在台上像狗一样吼叫了半个小时。达达这个名字取自一本词典，把眼睛蒙起来，打开词典，用铅笔指到的某一个单词，这个单词恰好是法语对“玩具木马”的爱称。
在达达运动中，名声最响、最具天赋的实践者是画家和装配者杜尚，他同时还因为自成一格地把“现成品”当作艺术品而出名，比如普通的铁铲或者小便池。
超现实主义
这个运动可以说是达达主义在法国艺术领域里派生的第一个表兄弟姐妹。艺术家们试图探索头脑在无意识状态中的丰富多彩，他们拼凑各种支离破碎的风格并称之为超现实主义。法国诗人阿波利奈尔开超现实主义之先河，在他的荒诞短剧《蒂丽西亚的乳房》中，女主角打开她的紧身胸衣，飞出来两个汽球，随即变成了一个男人。法国作家布莱顿在1924年出版的《超现实主义者宣言》一书中，把这个运动作界定为精神自动作用，艺术家试图通过精神自动作用，以口头或者书写的形式，来展现思想的真正功能。找到下意识的源头后，超现实主义着手创造一种潜藏的、象征性的艺术。超现实主义画家有达利、米罗、马格里特、恩斯特、以及奥本海姆等，在他们的作品中，采用了无意识的或机械的技巧，比如，摹拓、刮擦或者用纸去触碰蜡烛的烟等。超现实主义的经典作品是奥本海姆的《皮毛桌布上的午餐》，收藏于纽约现代艺术博物馆，画面是中国瞪羚皮毛上摆着一个普通的茶杯、托盘和勺子。
包豪斯
这是1920s年代建立在墨尼黒的现代艺术“实验室”的名字，这个实验室试图把立体派的一些理念运用到当代室内设计、建筑和艺术当中。当时的画家有施莱莫和艾伯斯，艾伯斯因为他的不同颜色的纯四方型而出名，还有莫霍利·纳吉、布鲁尔、克利等。
包豪斯1919年成立于魏玛，1925年迁移到包豪斯，在一座格罗皮斯设计的标志性的现代建筑里面。1933年包豪斯被纳粹关闭。新包豪斯位于芝加哥——纳吉移民美国后在1937年重建——现在是伊利诺斯州技术学院设计院。
分离派
分离派有两个分支，一个在德国，另一个在奥地利。这个词是德文，意思是“狂热的分离——脱离”，起因是奥地利艺术家克利姆特和苏基尔在19世纪末和20世纪初创作了一些激进的作品得不到主流艺术的认可，不允许他们参展。后来，在德国出现了第二批分离派，这一次得到表现派贝克曼、帕克斯坦和诺尔得的支持。
摄影术
我曾经严重地忽略了摄影术，现在我坚信摄影术是美术的一部分。（我把大都会博物馆的版画部改为版画与摄影术部。）概括地说，摄影术的风格发展经历了以下几个阶段：1856~1867年，早期实验阶段；第一次世界大战前后至1920s年代中期，照相术盛行阶段；1929~1938年，透视法至上阶段；1952~1990s以后，回顾而知新阶段。最后，今天，摄影术风格的多元化和其它美术媒介一样。
Unit 10
Contemporary Art:
Not Always So Nice, but Ever Exciting
I． Asociated information:
1、文章选自The Art of Being Human Richard Janaro
2、展示部分康定斯基的作品。
3、辅助双语视听材料BBC Museum of Modern Art (40分钟左右)。
II． Language points:
1、 it presents the viewer with …呈现给观众的是……
2、 nod one’s heads in approval 点头称是
3、 share a definite bias toward对……有明确的偏爱
4、 abound in 大量存在于……
5、 be carried to heights 达到顶点（高度）
6、 swarm over 遍布……
7、 only to withdraw at the end and make way for在结尾时为……作铺垫
8、 in bursts of color在怒放的五彩斑斓中
9、 be perfectly proportioned 完全按比例的
10、 in some cases downright “craze” 有时甚至全然“疯狂”的作品
11、 be acknowledged 知名，公认
12、 stir up a controversy （搅动）引起论战
13、 to be intimidated屈服于；胁迫
Reading A 参考译文
这就是所谓的现代艺术？
在最近的一次现代俄罗斯画家康定斯基的作品展览中，两名青年男子用迷恋和困惑神情盯着一幅油画。如果你再看一看《构成第七号》，你就可以看得出康定斯基的绘画特征，注意到它呈现给观众的是各种各样的形状和斑斓的色彩，看不出什么具体的东西。琢磨良久，其中一个人大概是灵机一动，转向他的同伴说， “我知道这是什么”。 他的朋友，显然还是迷惑不解，热切等待进一步的信息。 “这是两个电灯泡，”那人说道。他的朋友凑近那幅画又认真地研究了一番，随后笑逐颜开地说：“你说得对！是两个电灯泡。”双方点头表示同意，并继续观赏。
如果艺术家当时在一旁，他也许会想：无论他们看出什么都是好的。另一方面，他也许会期盼，随着与视觉艺术有更多的接触，人们也许会根据画作本身所呈现的东西来解读这幅画，也就是说，无须迎合他们对写实的要求。一幅画或雕塑“看起来不像任何东西”通常意味着它没有试图仿制物象和人。“看起来像什么东西” 意味着艺术家在摹仿他所见的什么东西。无论如何，观众看到的都是艺术家思想的流露。
我们大多数人都对写实有明确的偏爱，写实既是摹仿物和人的声音或外表，写实主义大量存在于我们的文化之中。喜剧，虽然夸张了现实，却是可辨识的真实事物的翻版。动画片也许能把我们带到幻想之地，在那里，虽然一切都变了形，但动物仍然是动物，人仍然是人，树木仍然是树木。
1937年沃尔特迪斯尼上演了《幻想曲》，汇集了一系列的伴随乐曲的短动画作品，这个影片现在仍然十分流行。虽然艺术家的想象力达到了登峰造极空前绝后的高度，但很少出现视觉混淆。《跳舞的时光》里的主角可以看得出是穿着芭蕾舞鞋和芭蕾舞短裙的河马。《米老鼠》由于具有说话和思考能力而家喻户晓，后来变成了《魔法师的学徒》。经艺术加工的怪兽们群集在秃头山上，纯粹是为了在影片结尾时推出牧歌般美丽的森林景象和大教堂做铺垫。在影片开头的部分，观众也许会猜疑究竟讲的是什么。受到巴赫的托卡塔与赋格D小调的灵感启发，迪士尼的艺术家们纵情渲染他们的幻想，屏幕上出现各种各样康定斯基式的抽象图案，此消彼长，争屏斗艳，最后在怒放的五彩斑斓中消失。
《幻想曲》每隔几年就继续加以修订，在愈来愈大的屏幕上演，大功率的喇叭和尖锐音频响彻音乐厅。以巴赫音乐作为序曲已经成为被观众接受的经典迪斯尼动画片。在今天的电影里，飞行的视觉想象可以通过先进的计算机制作出壮观的特殊效果。我们知道而且也接受，在现实中巴士不可能在断裂的桥梁上“飞跃”，但观看特殊效果时，我们并不需要现实主义。尽管常常被评论家嘲笑，特殊效果也许是最接近非现实主义的普及化。计算机科技本身已成为一种艺术形式。
视觉艺术领域里真正意义的现实并不常见。希腊和罗马雕像类似于真实的人，他们的身体比例是完美的，但大多数真实的人的体型并非如此。米开朗基罗表现的男性，无论在雕塑还是在绘画中，往往都有雄壮健美的体型，大街上不太可能看得到。照相现实主义在17和18世纪期间已经很完善，照相术如此缜密地模仿真实场景，令我们感到可以直接步行到画布里去了。对于今天的艺术家来说，摄影现实主义通常是他们开发一个新技术的起点。不过，仍有许多人根据写实程度来评判艺术。
本章向读者简要地介绍视觉艺术：绘画，雕塑和建筑。尽量不带偏见，不带条条框框; 大门向那些起初看起来似乎陌生，有时甚至全然“疯狂”的作品敞开。首先，读者不应该要求视觉艺术有一个基本的定义，这个定义可以适用于每个艺术家的每件作品。
对于视觉艺术，有许多精确的可引用的定义。美国知名艺术家和教育家罗伯特·泰勒的解释简单扼要，不带学究气，但很有意思，他认为视觉艺术是艺术家所为。这个解释得到许多把艺术当作是某些人的行为表现形式的艺术家们的共鸣。当然，这并不能保证任何人只要声称自己是艺术家，就是真的艺术家了。
然而，究竟怎样才算是一个真正的艺术家？谁来决定？有时候由历史的评判来决定，譬如文森·梵高，他死得凄凉，一贫如洗，但是他的作品却在他去世后名扬四海。有时候，赞誉褒奖伴随艺术家的一生，譬如米开朗基罗、达芬奇和毕加索就是明证。有时候，对于艺术家评价在其生前和死后各不相同。也有尚未定论的情况，譬如“波普”艺术家安迪·沃霍，他画的一百个汤罐头就引起一场论战。这些罐头画得很逼真，就好像从超市货架搬过来似的。但是许多观众问道：“为什么会有人画如此愚蠢的主题？”
你没有必要屈服于艺术世界，而是以更加宽容的心态进入这个世界，不要期望每一件作品都那么具像，都看得懂。不妨反向思维，考虑一下艺术家的创作意图，如果你能做到这一点，你就建立了艺术家和你自己之间的联系。
Exercise 3 参考译文
色彩犹如音乐
对康定斯基来说，色彩具有悦耳的、象征性的、浩瀚辉煌的意义。黄色犹如嘹亮的喇叭，勇猛好战，是典型的大地颜色。蓝色，因色调明暗而异，犹如长笛、大提琴、低音提琴或者管风琴，舒缓宁静，是典型的天空颜色。红色，因颜色深浅而异，犹如大号和小提琴，高亢激越，富于激情和摧枯拉朽之势。白色意味着虚无缥缈，象征着高高在上的空灵世界。黑色，则象征着无边无际，无声无息的静寂。
Reading B 参考译文
当代艺术及其“风格”
有关当代艺术的好消息是所有的风格和表现形式现在都被认为是有效的，你现在可以公开地为现实主义作品喝彩，大声地议论那些几乎辨认不出轮廓的作品。顺便说一句，艺术品现在统称为“作品”。曾经被贬为工艺品的东西正在逐步得到青睐，被认为具有最高的艺术表现力。美国人Dale Chihuly采用巨大的彩色玻璃件来装饰维也纳歌剧院和拉斯维加斯的Bellagio酒店这样重要的大厦。任何材料都可以作为表现媒体，从丙烯酸到热蜡画（一种蜡的应用）、羽毛、生锈的钢材、羊毛、甚至大象粪便和人的血液。他们确实做出了迷人的作品。
要给所有的当代艺术形式下定义，就好比给银河的繁星命名一样。以下列举的是相对重要的流派、风格、趋势和倾向。
抽象表现主义
从某种程度上来说，当代艺术主要归功于抽象表现派画家。抽象表现主义开当代艺术之先河——滴色画法始于纽约20世纪40年代末，直到50年末代仍保持强劲，其影响现在依然存在。抽象表现主义也被称作纽约画派，人们普遍认为这是最原创的美式风格。原因是它偏离欧洲艺术，因此一直被当作是美国艺术的起源。
抽象表现主义这个词通常指艺术家的作品既不总是抽象的，也不总是非常表现主义的。德·库宁是抽象表现主义派的代表人物，他采用大量人物运动形象和美丽的视觉爆炸，譬如女性形象和玛丽莲·梦露等。
杰克逊·波洛克也许是最为出类拔萃的抽象表现主义派和 “行为画家”。他的风格在其著名的滴色画作品中表现得淋漓尽致，色彩有排山倒海之势，涌动、喷溅、融化、席卷、犹如惊涛骇浪，从漆黑色、淡紫色、到薰衣草色，七彩斑斓。他的作品具有生命力，并且艺术价值见长，也许是因为这些作品象征着当代人认知和感觉的方式。波洛克的构图极具情感化，快如闪电转瞬即逝，困惑与喜悦交加。当你真正花时间来研究他的画作时，你弄不清楚作品中无数的抽象图案。你只能对这些作品泛泛而谈。内心世界不能理解这些自然感受到的图案，这是一种纯粹的情感经历。塞缪尔·巴特勒曾经说过：人生就像在同一时间里，既学拉小提琴又举行音乐会一样。波洛克这是这么作画的，仿佛生活和绘画都是一样的。
不要忘记还有Clyfford Still（斯蒂尔）, Robert Motherwell（马塞韦尔）, Franz Kline（克兰）, and Richard Pousette-Dart（波斯迪·达特）。
色域绘画
色域绘画是指无联接镶边的，或者相同的色彩堆砌或彼此相邻的巨幅油画。根据纽约艺术评论家哈罗德·罗森堡对抽象表现主义的描述，色域画家马克·罗斯科几乎算不上是 “行为画家” 的领军人物。罗思科那些柔软的、生机勃勃的红色、黄褐色 、铁锈色和浅棕色的条幅，以及他的闪闪发光的蓝色和蓝黑色的图案，好像是深思熟虑的电脑工程师画出来的一样。这只是表明标签的作用在艺术领域与在任何其他领域一样准确并有含义。
这种虚无的艺术形式在纽曼的作品中达到极致，虚无缥缈，展现出一个敏感而纯洁的大自然。
波普艺术
另一个导致当代艺术形成的强大动推动力是波普艺术。这个运动不加删改地采用报纸和电视里的流行艺术形象作为表现主题，与过分追求非客观性的抽象表现主义背道而驰——大部分波普艺术作品都有现实主题。琼斯表现美国旗（《三面旗帜》），甚至采用了诗意的灰色调。奥尔登堡创作了比真人尺寸还大的普通物品——口红、棒球棍和羽毛球（见美国博物馆导读，堪萨斯城纳尔逊美术馆户外雕塑）。安迪·沃霍是一位古怪而伟大的画家， 他由于1962年至1965年间把玛丽莲·梦露和杰克·奥纳西斯偶像化而出名。利希滕斯坦因采用普通的连环画题材而令自己功成名就。波普艺术所要传达的内涵实际上就是媒介，正如加拿大文化分析师马歇儿·麦克卢汉所说的—— “媒介即内涵”。
原生艺术
这是一个法语短语的含义。简单地说，是原生态艺术。画家杜布菲概括了它的意思，他声称他的艺术企图把所有价值被低估的东西变得引人注目。他还用这个词汇来界定儿童画和精神病患者的画，当然，也包括他自己的画。
身体艺术
这一运动与60年代的偶发艺术以及激浪派有联系。偶发艺术画家有卡普洛，激浪派画家有马修纳斯等。身体艺术往往是以人体为主要媒介的艺术，有时意在故意搞笑，有时甚至具有破坏性并且令人感到厌恶。主要代表有维托·阿孔奇、克里斯·伯登、安娜·门迪塔和丹尼斯·奥本海姆。
极少主义
自1960年代以来，固守更少就是更多风格的艺术家们，由于对非个性永恒主题的偏好，创作出全然没有幻想或者原始表达的作品。他们的观点是， “我没什么可说的，我说的就是这个意思。” 美国极少主义者包括丹·弗莱文 、唐纳德·贾德、苏尔·莱维特和罗伯特·雷曼。
概念艺术
这个运动始于20世纪60年代末，并且介入词文字。其宗旨是概念或者与这个概念相关的文字一道构成艺术作品，而青铜、石材、或者颜料的运用仅仅是概念的伴生物。 代表人物有德国的约瑟夫·比伊斯、赫克和美国的约翰·鲍尔德萨利 和约瑟夫·克索思。
大地艺术
这个词是指艺术作品由天然材料制成或者受限于自然景观。譬如迈克尔·黑泽的《双重否定》（ 1969-70），这个作品只不过是在内华达州的摩门梅萨沙漠上刮了两道平行的长约一英里的白线。美国大地或建造艺术包括有克里斯托在加州现已被拆除的《跑道围栏》；罗伯特·斯迈森在犹他州大盐湖建造的螺旋防波堤（1970年）。
装置艺术
难以描述，主要只指在一个大型室内空间（室外也可以是装置的一部分），设一些奇异的装置，令人产生复杂和多种联想，影响观众的思想、欲望和情绪。这是一些巨大的三维绘画、雕塑、诗歌和散文作品。美国的安·汉密尔顿是采用这种媒介的重要艺术家之一，他的作品被安装在意大利威尼斯的国家新古典主义展览馆内，这个展览馆每两年举办一次国际性艺术展。
以上是一部分与当今艺术有联系的标签。还有数以百计的艺术形式将会出现，其中一些将是滑稽的。我最后的建议是忘掉标签，因为能够令人血液沸腾的艺术是超越标签和行话的。
Unit 11
Charming of Graphic Arts
I. Associated information:
1、文章选自The Arts Lee Paradise
2、展示部分版画作品。
3、辅助双语视听材料BBC 伦布朗或者丢勒 (40分钟左右)。
II. Language points:
9、 Printing involves complex machines. 印制版画涉及到复杂的机器
10、 Printing as we know it involves complex machines. as we know it 前后无逗号分开，实际上是插入语，类似状语，用来说明全句
11、 contribution to对于……的贡献
12、 In contrast to engraving and relief printing, serigraphy does not involve any cutting. 和凹版印制法对比，丝网印技法不用雕刻。
13、 they involve blocking out some parts of the surface要将表面的某些部分掩盖起来
III. Key for Exercises 1:
printmaking, relief, intaglio, acid, plate, incised, screen-printing
Reading A 参考译文
平面艺术
画家制作的版画、色彩鲜明的花布图案、以及印在这本书里的字和画，都是平面艺术的实例。平面艺术包括用油墨印图画的各种方法。
正如我们所知，印制版画涉及到复杂的机器。但是，所有这些机器都以一些古代的技法为基础。这些技法同现代版画家所用的方法在实质上是一样的。这些技术是怎样起源的？它们对于一种新艺术的发展又有什么特别的贡献？这些就是本文要探讨的问题。
雕刻和石刻摹拓
最早的版画技术——雕刻起源于中国，它比欧洲开始用印刷术要早几个世纪，比油墨的发明也要早二百年。
人们会问：“没有油墨怎么能印刷呢？”这事情大约发生在175年。那时中国哲学家孔子的一些学说被刻在石头上，其目的是把这位伟大导师的思想记录下来，以便弟子们能够阅读和学习他的原话。
弟子们很快就找到了一种把这些文字从石头上复制下来的办法。他们把一页潮湿的纸紧压在石头表面上。当纸干后，将它从石头上揭下来，就有了一份石刻文字的副本。
墨发明以后，这种在石刻上压纸的技术就有可能改进了。这种新方法称作摹拓，其中包括用墨在纸面上擦。纸上除了被压进石刻文字中去的部分外，都被擦成黑色。这样拓下来的成品是黑底白字。
今天，使用摹拓法的不仅有艺术家，也有想拓印石刻文字和古代艺术品图案的科学家和博物馆工作人员。现在使用水彩颜料，它们在操作之后可以从石头上洗掉。办法是先在石头上涂颜色，然后用薄木片将纸紧压到石头上，这样版画就制成了。
现代的雕刻多用木板、金属板或其他比石头容易雕刻的材料。如果用木头，必须先将它从横面（与纹理垂直）剖开，然后弄光滑。用横断面做成的木板在雕刻时可以使雕刻刀不致顺着木头的纹路滑动。在木头的横断面雕刻，进刀浅些就可以刻出细线条，进刀深些则可以刻出粗线条。
凸版印刷
木刻，或凸版印刷，是起源于中国的第二种版面制作法。这种技法正好和雕刻或摹拓相反。
凸纹版画是从版面上的图样制作出来的。这种用于木刻的板也和用于凹雕的那种板相反，它是从纵面（与纹理平行）剖开，然后弄光滑。
版画家在雕刻时将木板上不需要的部分刻去，让图案花纹凸出于光滑的表面。图案刻成后，在版面涂上墨，把纸压上去，印出来的版画是白底黑花。
表面印刷
版画家采用的第三种基本技法称作丝网印花法或绢网版画法。和凹版印制法对比，这种技法不用雕刻。绢网版画法和其他类似的表面印刷法是以油和水不相混合这一原理为根据的。
绢网法最适宜于在织物表面印花。它也最适用于制作多色版画，或称绢网版画。这通常是印在纸上的。
虽然这种技法的细节很复杂，但基本原理却很简单。它不用板而是用一块细绢绷紧在木框上，做成一个网筛。
画家用一种专门在绢面上画画的油彩、或用同样原料制成的色笔在绢上作画。然后在没有画的绢面空白部位涂上胶。等胶干后，就用一种对胶不起作用的油质清洗剂将油彩洗去，于是绢面上只露出那些画过的部位。
印画时，纸张放在置于绢网之下的一块玻璃板上。将颜料或墨沿着绢网的边缘倾倒下去，再用直尺状的橡皮刀在整块绢面上很快地刮过去，颜色只是从绢面上露出的部位透过去印在纸上。
绢网法的主要优点是同一幅画可以重复多次。每次印后可以用水把胶去掉，在绢上再画新图案。有时为了加强一种色彩，或在图案的某一部分增加另一种颜色，同一幅画可以使用几块绢网。这样制作出来的成品就可以像绘画那样色彩丰富。
版画艺术能称得上艺术吗？
也许版画艺术的主要贡献是画家可以用这种技法从一幅画稿印出许多件作品。然而有些人声称这些印出来的版画只不过是复制品而已。他们不承认版画艺术是第一手创作的艺术。他们说这种版画实际上就像一幅画的照片，不是画家的原作。而且由于版画具有多种商业用途、如广告、印花织物和许多别的产品，他们说这些技法实际上不是美术。
许多画家遇到这样的批评时回答说，用刻印技法制作出来的作品确实是很好的版画，或者说是多重的原作。正因为是这样，版画家才想要制作版画而不去画油画或别的什么。这就是说，正是由于特殊的艺术目的的需要才采用版画的技法。从一块版上印制版画的数量并不影响其质量，印数多少只是对版画销售价格有关。版画和绘画的照片不同，版画本身就是画家创作的目的，而照片却是是原作的复制品。最后，任何技法在商业上的应用对于艺术家来说并不降低它的价值。
现代版画艺术的进展
今天已有许多种版画制作方法。但是它们都是从三种基本技法变化而来。第一类称为凹雕。通常指的是版上的图案花纹低于表面，用墨印刷。现代的雕刻就用凹雕技法，因为油墨只压填在线、点和其他花纹等凹陷部位。
第二类凸版印刷，那是将油墨直接涂在版面上印制版画。
第三类或可称为表面技法，包括绢网印花之类。因为这些技法要将表面的某些部分掩盖起来，在其余暴露部分用油墨压印出图案，不用在版面上雕刻。
版画艺术有多种技法可供选择，它的好处是画家可以在同一幅作品中结合使用不同的技法。例如，用凹雕法可以在版面的凹陷部分填一种颜色，然后在版面其余部分涂另外的颜色，当然注意不让它们相混。现代的版画家用这样那样的方法，几乎能创造出任何需要的效果来。
Exercise 2 参考译文
中 国 画
虽然从审美观点来看，中国绘画与西方绘画有许多共同之处，但中国绘画有着其独特的民族特征。中国传统绘画很少遵循焦点透视法则，即写实的绘画手法，而是在艺术观念、构图和表现手法上给予画家更多的自由，使画家更好地表达其主观感受。中国画吸取了众多艺术形式的精华，如诗歌、书法、绘画以及金石艺术。
中国人认为一幅佳作就是一首好诗，反之亦然。因此，就有“诗中有画，画中有诗”一说。过去，许多伟大的画家也是伟大的诗人和书法家。画上的题跋和印章不仅有助于我们理解画家的思想与情感，也赋予了绘画形式美。
“松、竹、梅”被称为“岁寒三友”。这三种植物挺拔的身姿喻示其刚正不阿的气节，成为中国画家们笔下的宠儿。中国绘画是集诗、书、画及金石艺术为一体。它们是使中国画赏心悦目不可缺少的元素，它们有互相补充，相得益彰。
根据形式，中国画可以分为四种类型：壁画、屏风、卷轴、画册和扇面。通常，它们被装裱得非常精美，以增强画作的艺术效果。
在技巧方面，中国画被分为两大类：工笔画和写意画。
根据题材分类，中国画可分为人物、风景、建筑、花鸟、鱼虫。中国画强调的笔法包括皴法、点法和染法。
好画需要好材料。中国画中运用的材料有笔、墨、纸（绢）、砚。
Reading B 参考译文
计算机动画
计算机动画即是连续播放一系列的计算机生成的静止图片而产生的运动错觉。在计算机发明之前，动画是将手工绘制在被称为赛璐格的塑料胶片上或者纸上的连续动作，一帧一帧地拍摄下来而获得的。计算机首先是被用于控制图片和摄影机的移动。现在，计算机自己就可以制作图片并模拟摄影机。
计算机动画可以被用于制作特殊效果，模拟出诸如航天器飞过土星等使用非动画技术不可能表现的图像。计算机动画也可以根据科学数据生成图像，并且已经被用于研究复杂系统中的相互关系的大型数据的可视化，譬如流体动力学，粒子碰撞，以及大风暴的形成发展。这些建立在精确数据上的测试模式，运用动画帮助研究者观察到使用其它方法可能会忽视的关系或关联。计算机动画可以还被用于模拟再现法律案件中的事故。
计算机动画的工作原理
传统的帧到帧的动画中，将手工绘制在塑料胶片上的动作系列逐一拍摄下来，然后快速播放，即获得运动的假象。典型的播放速度为每秒14到30帧。在计算机动画中，这一过程完全由计算机程序创作完成：人们利用计算机程序制作出一帧帧图像，然后录入，编辑，播放。
另一计算机动画技术是实时动画。在实时动画中，图像由计算机制作并立刻显示在计算机屏幕上。这一技术消除了数字录入图像时图像之间的间歇；但是，实时动画目前不能产生高质量或者是细节丰富的效果。它最适合为视频游戏创作简单的动画。
计算机辅助动画
在传统的动画制作过程中，先画出故事版（一幕幕有关情节的插图），定义分配时间，然后一个资深的动画师作出关键帧，其他动画制作人员绘出之间的帧幅，着色，然后将没一帧拍摄下来。计算机可以用于辅助或者代替这一动画制作过程中的每一步。
A、 间帧幅的创作
创作用于配合从一幅关键帧到另一幅关键帧之间的动作图像的过程被称为中间帧幅的创作。现有技术允许计算机通过估计从一幅关键帧到另一幅关键帧之间的动作运动轨迹的平均点数创作出中间的帧幅。最简单的情况下，计算机通过计算出两个动作相关点与其动作中心点之间的距离来创作中间帧幅。复制到中心点的距离可得到看起来平滑流畅的动作。
B、 着色系统
在赛璐格胶片上手工绘制动画是一个艰苦的过程，一个画家平均每天能绘出25帧。有时候需要将动画胶片重叠起来创作另外的图像——譬如，帧与帧可以相互作用、交叠、或互为背景。当许多帧画面相互重叠的时候，这些透明的一层层的胶片就会变得稍微有些模糊。因此，动画绘制者必须通过改变图像颜色来祢补效果的不足；在此过程中常会产生误差、错误。计算机可以避免这种误差并通过对每一画面最为复杂的部分进行协调一致的着色而增加帧幅的产出量。计算机绘画使用着色或者填色，在此过程中，艺术家只需定义颜色，然后选定一个像素——计算机屏幕上最小的单个图像元素，计算机就会将所有周围具有相同颜色的（或者几乎具有相同颜色的）像素改变为新定义的颜色。
C、 摄像机位置和编辑
动画一旦着色完成后，就进入拍摄。传统上，拍摄时，动画拍摄架必须考虑到被拍摄的动画和摄像机的位置，使一帧帧的图像和摄像机都可以独立移动。计算机可以模拟动画拍摄架和摄像机移动。对存储于计算机中的一系列的二维图像进行拍摄时，计算机可以从三维空间的角度控制虚拟摄像机进行拍摄。事实上，被拍摄的图像和摄像机都存在于计算机中。真实摄像机的特殊效果，譬如鱼眼镜头和镜头闪光效果，虚拟摄像机均可模仿。虚拟摄像机的这种控制能力，加上强大的数字视频编辑能力，使得动画制作者可以在计算机生成的环境里完成整部影片的制作。
计算机建模动画
计算机建模动画就是建立动画物体的三维模型的过程。典型的方法是使用下列三种建模方式完成：网格建模、面片建模和几何建模。
网格建模是通过勾勒物体轮廓的一系列线段和物体表面被称之为“节点”的一系列点来塑造形体。虽然网格建模图像常常不太逼真，但是却非常适合于快速研究物体如何移动或者查看物体是否适合一个特殊的场景。面片建模是用一系列基本的图形元素来塑造形体，譬如运用一系列多边形以产生光滑曲线和表面。虽然面片建模运用大量的基本图形元素有可能完美地塑造物体外形，但是由于塑造复杂的物体可能需要用无限多的图形元素才能产生逼真的、光滑的表面，所以测量和储存这些图形元素可能不大现实。几何建模是通过一系列基本几何形状或者基本几何形状的部件塑造物体的。比如，一个人可以由球体代表头颅，四方体代表躯干和四肢。几何建模既可以塑造物体内部，也可以塑造物体外部。
创作一个真实的三维场景的过程被称为渲染。将构成一个场景的物体的详细描述和对摄像机的详细指令输入计算机。要创作出如同相片一样的效果，计算机必须计算观察者观看图像的视角，可视的物体以及物体表面状况；或根据物体每个面的可获得的光源，增添明暗对比效果和反射与阴影效果；或给物体表面增添纹理、图案以及凹凸效果，使物体看上去更真实；或对物体进行透明处理；或去掉被其它物体遮罩的面。
三维场景中的物体和光线渲染处理完毕后，动画师就可以规定物体与光线在场景中的运动以及虚拟摄像机动作。关键帧幅移动恰如计算机辅助动画设计的模型一样与物体的运动同步，同时关键帧之间必须填入中间帧幅。一种称之为关键帧参数动画的技术可以插添或混合中间帧。另一种叫做运算动画的技术，通过运用控制物体如何移动的规则来控制动作。当物体和它们的动作被定义后，每一个场景都被虚拟摄像机一幅幅渲染并储存，然后播放出来。
尽管现代的计算机运算能力强大，而创新一直加速传统的动画制作过程。现代计算机动画仍然要求更快、更强大的计算机去开发新技术和追求更为逼真的照片般的效果。在迪斯尼制作动画片《玩具总动员》（1995）时，PIXAR动画工作室渲染单独的一帧图像平均需要3个小时，而有些图像的渲染时间更长达24小时。这部77分钟的影片，一共渲染了110，880帧图像，将分配到各计算机的渲染时间加起来达到了38年。
Unit 12
I． Associated information:
1、 文章选自What is Design
2、 辅助双语视听材料国际设计家2008 The Semiotics of Illustration (40分钟)。
II． Language points (verb phrases):
1、 constitute制定（法律），建立（政府），组成，任命; Constitution 宪法，章程
2、 bring into play发挥，发动
3、 not readily yield to 屈服，让步
4、 pay off 还清（债务），报复，赢利
5、 conscious, consciousness, subconscious, unconscious, preconscious
6、 intuition, intuitive
7、 random-order system， symmetrical-order system， arrangement
8、 battle cry 呐喊，战斗口号
9、 state, statement; declare, declaration; proclaim; allege 声明，陈述，宣称
10、 put the cart before the horse 本末倒置，混淆概念
III. Suggestions for teaching points:
1、 动词和动词短语的使用。如:
1）All men are designers. All that we do, almost all the time, is design, for design is basic to all human activity. The planning and patterning of any act toward a desired, foreseeable end constitutes the design process. Any attempt to separate design, to make it a thing-by-itself, works counter to the fact that design is the primary underlying matrix of life. Design is composing an epic poem, executing a mural, painting a masterpiece, writing a concerto. But design is also cleaning and reorganizing a desk drawer, pulling an impacted tooth, baking an apple pie, choosing sides for a backlot baseball game, and educating a child.
2）Consciousness implies intellectualization, cerebration, research, and analysis. The sensing/feeling part of the creative process was missing from my original definition. Unfortunately intuition itself is difficult to define as a process or ability. Nonetheless it affects design in a profound way. For through intuitive insight we bring into play impressions, ideas, and thoughts we have unknowingly collected on a subconscious, unconscious, or preconscious level. The “how” of intuitive reasoning in design doesn’t readily yield to analysis but can be explained through example.
Reading A 参考译文
什么是设计
任何人都是设计师。几乎任何时候，我们所做的事情都是设计，因为设计是人类活动的基础。为了欲望和可预见目的所做的任何有计划有编排的行为，都是设计的过程。任何尝试分离设计，使其成为独立的个体，反而证明设计是生命本质的基体。设计是撰写史诗，描绘壁画，画一幅大作，写一首协作曲。但是,设计也是清理桌子的抽屉，拔掉一颗坏牙，烘焙苹果派，为一场棒球赛选择场地，或是教育孩子等等。
设计是一种为了强化秩序而做的有意识和直觉的努力。“直觉”这个对设计似乎很重要的定义是在近几年才添加的。意识是指理智、思考、研究和分析。创作过程中的感觉这部分没有包含在我最初的界定之中。遗憾的是直觉本身作为过程或者能力的界定是很难的。虽然如此，它却给设计带来了深远的影响。因为通过直觉的洞察力，我们把潜意识、无意识或者前意识中不知不觉收集到的印象、想法和思考发挥出来。在设计当中“如何”进行直觉推理，并不一定有分析但却能够通过例子得以解释。沃森和克里克直觉地认为脱氧核糖核酸（DNA）的基本结构链可以通过螺旋型优美地表达出来。从直觉着手，他们开始研究。他们本能的预知力得到了回报：的确是螺旋型！
我们欣喜地发现窗玻璃上的冰花是有秩序的，蜂巢有完美的六角形、树叶或者玫瑰花有结构，反映出人们对图案的关注。我们不断尝试着通过寻找图案的秩序去了解我们周围这个变化无穷的高度复杂的世界。我们在求索当中有所发现。大自然中存在着潜在的生物系统，我们对这些系统的反应水平不一，往往是无意识或下意识的。我们之所以喜欢大自然的事物，是因为我们看到了经济的手段、简单、优雅并且具有本质的正确性。但是大自然中所有富于秩序和美丽的模式，都不是人类决策的结果并且超出了我们的定义。我们也许可以把它们称为“设计”，就好像我们提及一件工具或者人类创造的艺术品。这是一个伪问题，因为我们将大自然的美丽归因于我们常常无法理解的某些进程。我们尽情享受秋天枫叶那美丽的红色和橙色，但是我们也为落叶化泥的衰败而迷惑。鲟鱼的流线型身体可以满足我们的审美，但是对于鲟鱼来说不过是提高运动速度的手段。我们在向日葵花、菠萝、松塔或者树叶在枝干上的排序中发现了极为漂亮的螺旋型生长的图案，这种图案被解释为斐波纳契数列（一种整数数列，其中每数等于前面两数之和：1、1、2、3、5、8、13、21、34……），但是对植物来说，这样的排列只是为了显露出最大的表面来提高光合作用。同样，我们发现雄孔雀的尾巴很美丽，毫无疑问，比雌孔雀更有吸引力，这是物种内的选择结果。
在一堆随意摆放的硬币中是找不到意图的。然而，如果我们移动这些硬币，并根据大小和形状来安排，我们的意图便得到强化，可能会产生一些对称的排列。小孩子、某些非常原始的人和精神病患者都喜欢对称顺序，因为太容易理解。硬币的进一步移动会产生无数的非对称排列，这需要旁观者有高一些的智商与更多的参与，才能理解和欣赏。虽然对称设计和非对称设计的审美价值不同，但是由于潜在意图明确，二者都可以给予快捷的满足。硬币可以有无限令人满意的排列。重要的是，其中没有任何一个是正确的设计，尽管有一些看上去好像比另一些更好。
设计必须是有意义的，而“有意义”在语义上取代了诸如“美”、“丑”、“可爱”、“厌恶”、“迷人”、“真实”、“晦涩”、“抽象”和“不错”这类含有表达意思的词汇；标签会令人困惑，比如遇到毕加索的《格尔尼卡》，弗兰克.劳埃德.赖特的《下落的水》，贝多芬的《降E大调第三交响曲（英雄交响曲）》这类作品时，我们的反应是它们有意义。
通过设计来完成意图的行为模式就是功能。美国雕刻家Horatio Greenough在1739年第一次提出“形式追随功能”。这句话在大约100年前成为建筑师Louis Sullivan（路易斯.沙利文）的战斗号角, 弗兰克.劳埃德.赖特把这句话重申为“形式与功能二者一体”。两个人的说法都揭示了设计作品具有功能性或者具有美感之间的差异。“形式跟随功能” 的含意是只要功能需求被满足，形式就会追随并且看上去也有美感。后者本末倒置，混淆概念，认为形式“理想”了，功能自然会好。
学生们问道：“我的设计应当是注重功能呢？还是注重美学价值？”这是在当今的设计工作中最常听到，最容易理解，然而也是最复杂的问题。“你是想让这个设计看上去好看呢，还是好用呢？”这类的问题实际上仅仅是功能的两个方面，而功能是多种多样方方面面的。
Reading B 参考译文
指向明日之路
作为《欧洲广告大赛优秀作品集（2004）》的入选者，我非常清楚获得这个奖项对一个广告公司意味重大。我感到更为自豪的是，被邀为今年的作品集撰写导言，并且先睹为快看到了两件获大奖的作品。
在众多参赛的作品中选出Guinness ‘noitulovE’和Grande Reportagem ‘Flags’，展示了商业记者评判委员会的严谨和远见，足以令国际同行钦佩羡慕。
Guinness — 现在是一个品牌，成功地回到广告产品的本源，并且巧妙地超越了那些被认为是经典之作的广告作品。
Guinness 的‘noitulovE的理念清晰，制作精良无暇，令观看者忍不住想回放这段广告节目。并且，音乐动人难忘，与影片意思吻合，营造出戏剧性的紧张高潮。
同样，Grande Reportagem公司用印刷图片参赛，与当今世界弊端公然叫板，但全然没有落俗套的诸如窥阴癖、多愁善感和先声夺人的处理手法。此外，视觉表达与媒介结合完美，因此，作品得到了国际商业记者评判委员会的青睐。
然而，无论这两件参赛作品多么地令人兴奋，我们都不能忘记广告业变幻无穷。数字革命，伴随着因特网、手机和交互式电视，正在迅速地改变着传统媒体以及媒体的使用。人们耗在电脑上的时间比在电视前要多。手机犹如荷包成为手边必备之物。由于有了DVD硬盘收录机，人们一按键即可销去广告。这一切意味着我们必须严肃地重新思考一种吸引观众的方式。
看一看为Axe/Lynx制作的精彩的网络电影——此类项目的获奖作品——就足以让任何人信服，这是一个全新的游戏规则。品牌不再能够向每一个人传递同样的信息，建立一对一的关系最为重要。
目前，所有的广告商都意识到这个挑战，他们力求为最终消费者提供每一个品牌的整套“体验”。但是坦白地说，到目前为止，只有少数人凑效，他们都在大西洋的另一边。为什么？也许是因为美国的互联网领先地位，也许是因为那里的媒体预算更庞大，也许是因为对更大的市场份额勇于冒险是美国文化中更加根深蒂固的思想。
然而，如果欧洲想加入到全球化行动中，最好从了解外部的世界着手，要快。我们的创作人员必须成为多面手，要看他们是不是也有动力去设计30秒钟的电视广告，或者是在网络上推出一个新的产品。我们的艺术指导们必须超越设计印刷广告和设计新产品派发广告单张的层面。我们的广告文案编写人必须像无线电剧本的写手一样高超娴熟，因为他们已经开始制作手机连续短剧了。
作为一个领域，像欧洲广告大赛这样的欧洲广告界的重大活动能够通过识别最新的最佳创作作品，尤其是能够引人瞩目的作品，起到极为重要的作用。也就是说，识别能引领潮流指出明日广告之路的佳作。
Unit 13
II. Associated information:
1、文章选自Epica d’Or in 2001 by Sebastian Turner。
2、辅助双语视听材料International Designers Network 2007 –1。
II. Suggestions for teaching points:
The essay is quite easy, make a fast reading of it.
（Yes or no, or not given questions.）
1. 50 to 75% of all advertising makes no impact at all but achieves or even exceeds their targets.
2. The list of advertising campaigns that have succeeded despite their lack of creativity is pretty long, meaning that creativity does not necessarily affect the outcome of a campaign.
3. Consumer interest in advertising is extremely low and continues to decrease.
4. Even if consumers had nothing better to do than study advertising messages all day, they could absorb all the information that is imposed on them by ads.
5. Most consumers have had enough of advertising and try to avoid it.
6. If the majority of advertising is considered annoying by consumers, is it possible that 61% of them would miss ads if they did not exist?
7. The effectiveness of creative advertising varies from country to country.
8. It is the most innovative rather than the biggest（spenders）play an important part in effectiveness.
Reading A 参考译文
有创意更好卖
广告中的记忆度是很现实的。据估计，在当今播出的电视广告中，有50～75%的广告缺乏震撼力。而新的研究报告对这个数字提出了质疑，在调查范围内的电视广告中，有87%已经达到或者超出预期目标。其中包括了在创意比赛中表现最好的400个广告。广告就不存在问题？
如果我们认为有创意的广告通常能够成功，事实却又正好相反：许多在创意大赛中获奖的作品，在市场中却收效甚微；反之，许多缺乏创造力的广告却在市场中取得实效。这似乎意味着创造力并不一定是影响广告成败的关键。这又说明了什么呢？
从消费者的观点来看，可以得到一些有用的启示。消费者对广告的兴趣极为低下，并且还会越来越低。根据一项全球性的对广告记忆度的评估显示，在二十世纪六十年代，40％的电视观众可以想起广告中的一个亮点，而现在只有8％观众能够做到。论文还表明，即使消费者只是单纯地观看广告，也吸收不到广告所传达的信息，更勿论信息内容能对他们产生任何影响。
当然，在过去数年间，广告数量呈爆炸性增长。在如此的环境下，如何让广告达到预期目标？一个方法就是在电视广告的播出时间段里，用长时间播放平面式广告的做法来强迫记忆。采用此方式，或许能实现一定的认知，但却无法使品牌得到广泛认可，更别提让受众对品牌产生好感。至于对那些首次观看这条广告的目标群体，更造成令人厌烦的副作用。
广告工业似乎被困于一个怪圈：电视广告越单调、越缺乏刺激，被接受的程度也就越低。为了强制消费者接受或纯粹为了引起消费者的注意，具有大震撼力的电视广告通常被再三地反复播放，这种千篇一律的感觉，到头来只会使消费者的兴趣降低。消费者调查显示无论采用哪种方式，结果相同：大多数消费者因不堪广告的骚扰，都尽量地躲避收看广告。
如果消费者认为大多数广告是令人讨厌的，那么，换个角度来想，如果某天所有的广告都消失了，是否会像调查显示的那样，将有61%的消费者会想念广告呢？毕竟这个调查是在英国进行的。众所周知，英国的广告业是以擅长制作富有创意的广告而闻名于世的。
这是否又意味着，有创意的广告的效力会因国家而异呢？相当有趣的是，德国市场提供了个好指标。在过去几年里，奥迪（Audi）与奔驰（Mercedes-Benz）两个品牌因其杰出的广告创意质量而获得了成功，并成为经典范例。德国内部对它们的广告经费与记忆度之间的相互关系进行了研究比较，发现两个品牌并没有投入非常多的预算，但受欢迎的程度却大幅度增长，这样的增长效果是它们的竞争对手无法取得的。而且这两个品牌的广告除明确地定义了品牌核心外，还都提供了富有娱乐性的广告。
最近，德国消费者研究协会和德国广告代理学会做了一个联合研究，评估广告压力（客户的预算）及其广告宣传效果的相互关系。以往高品质的广告能够得到“最好的效益”的说法已经改为 “花大价钱不如创新效果好”。
通过对比德国与瑞士两个最重要的广告赛事，还可以得到进一步启发。每年，艺术指导俱乐部(ADC)会根据评审团做的选择，表彰最具创意的广告策划案。在众多印刷广告、招贴海报以及电视广告中，只有少数作品能获此殊荣。如果创造力对广告能否成功影响不大，那么在ADC获奖的作品，其市场竞争力应该是微乎其微的。情况却并非如此！事实上，九十年代以来，德国广告代理协会一直为那些在广告竞争中有出色表现的作品颁发Effie奖(广告效力奖)，受到表彰的相当部分作品，也因其出色的创意质量，得到了ADC的认同。
结论告诉我们，有创意的广告卖得更好。“最成功的作品必定比一般的作品具有更佳的创意”，这也是通过研究全世界480个让人印象非常深刻的作品后得出的结论。负责本次调查的研究人员虽然都是前宝洁的销售经理，不存因为既得利益而对创造力的作用大肆赞扬。实际上，他们得到雀巢公司老板赫尔姆·马歇尔的支持，他也客观地说：“众多成功的例子皆证明，在广告竞争中，具有想法、创造力和聪明定位的广告策略远比具有极高预算的广告策划更能保证成功。”
本文为：塞巴斯蒂安·特纳（Scholz & Friends AG广告公司执行总裁）为2001年第十五届欧洲广告大赛优秀作品集撰写的序言
Reading B, Exercise 2 参考译文
一个设计精湛的页面，无论是印刷版式还是网页版式，都是一件艺术品。一位娴熟的网页设计人员能够将文本、标题、图像、链接等迥然不同的元素有机地安排在一起，形成一个和谐统一的整体。虽然多数读者对字型（fonts），导入（leading），整版（justification）或字距调整（kerning）等等一无所知，他们却能下意识地感受到那些精心编排的页面。这正像人们并不了解拍照片或录制声音的技术问题，却能感觉出一张照片的好坏，或一段声音录音的优劣一样。优秀的设计既美观又实用。设计精湛的页面易于阅读，很容易将你的读者的目光引向你想要他们去的地方。
优秀的整体设计具有以下三个特点：
1、 一致性和多样性；
2、 支撑细节，但不喧宾夺主；
3、 与所传达的信息相称。
传统美学的一个基本原则是一件优秀的艺术作品应到达一致性与多样化的平衡。既每一部分要与已知整体协调一致，但同时又要有足够的多样性以保持其趣味性。多数网页设计人员的错误在于过分多样化。一致性和连贯性是两个十分重要的设计原则，因为它们增强了你的网站（你的公司的网站）独一无二的特性。
Reading B 参考译文
如何制作蹩脚网站
“如何制作”这一类的书充斥网络世界。有些书关于制作“成功”的网站、“有效的网站”，甚至还有“杀手”网站（专为杀手而设，或者是你可以雇人帮凶的地方？）。到目前为止，我还没有看到一本书教人如何建立劣质、没用的网站，能赶走顾客并且毫无积极效果。当然，不乏这样的网站存在，但至今还没有一个全面系统的指南教我们如何创建和维护这种网站。
首先，让我们看看蹩脚网站的主要目的是什么？
1、 撵走顾客。
2、 混淆人们对公司的理解，结果，他们对公司提供的服务不明了，这些服务是否省钱，是否有效。
3、 为公司树立一种不成熟、不可信的形象。
4、 确保网站会亏大钱，甚至把公司搞破产作为长远目标。
然后，反复考证这些目标，研究实现目标的若干方法。
撵走顾客
顾客因人而异，因此可以有无数的办法把他们撵走。然而，某些经久不衰的办法尤其能够确保出效果。
1、 在浏览者进入你的网站之前，强迫他们注册。如果你真的想从一开始就扼杀登录量，让他们先填一张长长的表格，提供大量你永远用不上的详细信息，并设定每一项都必须填。
2、 主页里的第一项是一个巨大的图案，要下载完以后才知道没有一点意义。给文件起一个毫无意思的标题，譬如“主页”或者“欢迎到我们的网站”。
3、 把主页设计的异常含糊不清，以防万一遇到顽强的浏览者，不辞辛苦地通过了亢长的注册表格和巨幅图案的下载。记住，有些访客可能是经验丰富的冲浪者，因此你必须发挥大量的想象力以确保他们搞不清楚在特别的超链接后面究竟是什么。避免简单的标签，如“联系我们”、“我们的目录”、“我们提供的服务”、或者“我们做的样本”等等。要有创意！给你的网页栏目取 “起飞”或者“走开”诸如此类的名字。“酷炫”仍然是一个效果糟糕的老牌备用名。
呼悠顾客
简明扼要的信息对蹩脚网页是祸害。要啰嗦含糊、混淆不清。过度的承诺可以，但是具体的建议不行。要把这些小窍门牢记在心。
1、 用“视野”、“使命”或者“目标”、“客观”这类华而不实的辞语。保证你的表述不会泄露你的实质服务。这里有一个典型案例：“X 公司为各类具有前瞻性的机构提供广泛的全能的解决方案，让它们用情景案例来整合当今令人眼花缭乱的各种机会，同时又能传达世界各地信息灵通的顾客们的需求。”
2、 我们建议你千万不要在网页上提供联系信息，尤其是e-mail邮箱。如果你必须要提供联系方式，把它深深地藏在网页之中，链接到一些毫不相关和极少有人访问的地方。保证在主页和联系页之间有大量花里胡哨的图片要下载。
3、 这里还有另一个策略令很多现存的网站使用起来非常不便。用一张仅仅针对潜在顾客的表格来取代链接e-mail邮箱。要求用户在提交表格之前，指定他们想买的产品。如果你想显得“酷”一些，甚至别提供“意见”栏。当访客浏览这类表格时，他们无法和公司联系，他们收到的信息大声而清晰，那就是：“如果你现在不打算购买我们的东西，我们也不想听你的意见。请走开。”哇，你看。但是这个策略也有不可取的一面——减少了我们不想收到的邮件的数量。当然，这个技术能撵走更多潜在并有益的联系，包括潜在的顾客，收获大于损失。
网页形象欠佳
从未停止给我带来惊讶的是，甚至一些最小型的、最不为人知的企业都能创建最出色的高专业水准的网页，而那些商业巨头公司却制作出低劣业余的网页。
这里有几个能令你的网页水准下降至需要补救的方法。
1、 对排版不要太认真。不幸，超文本HTML不允许你在一个句子之后用两个空格，但是你还有大量的事情可做来让你的文本显得业余。流行的方法是使用大写字母。经常用很多感叹号，把逗号放在不该放的地方。
2、 糟糕的拼写很容易做得到。你甚至不需要拼错单词，单词使用不当就行了。每个办公室都有一个爱管闲事的人，坚持每份文本都要经过拼写检查程序，但不要担心。拼写检查程序只能抓到拼写错位的单词，使用不当是抓不住的。经常混淆“it’s”和 “its”以及“their” 和 “they’re”。
3、 标点符号和语法是两处可以丢分的好地方。让句子无限的长。
4、 页面布局是搞砸网页最简单的方法。要么将栏目宽度定义为比1窄，要么比4宽。千万不要用不同的浏览器来检查你的网页，因为在Netscape上看起来很差劲的东西，在Explorer上却难以接受的好。
互联网上有如此多难看的网页，要分辨出哪个是最差劲的已经越来越难了。如果你按照以上原则去做，你一定会发现你的网站客流量名存实亡，而它对于你的公司价值也不断下降。
Unit 14
Art in a Perpetual State of Flux
I. Associated information:
1、文章选自Vague by Sophia Kokosalaki。
2、辅助双语视听材料The Devil Wears Prada。
II. Suggestions for teaching points:
Do a normal reading together with the students and then surf the net for further information of the following fashion magazines.
Popular Fashion Magazines
Vague http://www.vogue.com
Elle http://www.elle.com
Glamour http://www.glamour.com
Bazaar http://www.bazaar.com
Cosmopolitan http://www.cosmopolitan.com
Victori http://www.victoria.com
Marie Claire http://www.marieclaire.com
Esquire http://www.esquire.com
Lucire http://lucire.com
Flare http://flare.com
Reading A 参考译文
为雅典奥运会设计服装
设计师索菲亚·可可萨拉齐出生于希腊。她应邀为雅典奥运会仪式设计服装，法国《时尚》杂志请她将这场马拉松式的挑战以日记的形式记录下来。
2002年11月
2004年雅典奥运会开幕式和闭幕式的导演是一位名叫蒂米特里·帕派安奴的年轻人，他在雅典打电话约我面谈。他骑自行车来，边喝咖啡边问我是否愿意为奥运会设计服装。
我上洗手间去洗洗脸，好让自己更清醒一点。可怕的念头掠过我的脑海（觉得有压力，太奔波，时间太紧…）我无法开口说不，因为一生中这种请求只能碰到一次。
几天后，他向我解释他的策划理念。我确信参与这件事是值得的。他的想法新颖、可行，美妙极了；每一个场景情节都与历史、数学、人类学和哲学紧密联系。一切都是可掌控的，遵循因果关系，没有寒酸和俗气。
2003年1月
我逐渐了解到这项工程的庞大，预计全球有40亿人观看。开幕式历时3个半小时，包括运动员进场；闭幕式约2个小时。我开始狼吞虎咽地查阅书籍、影片，网站以获取灵感，任何强烈的图像都要。
我们召开了几次有关创意的会议，让每个人出谋献策。我们组建了一支国际化团队，都是些脑子里充满创意的人。我最喜欢的是诗人琳娜·尼可拉科普卢。参加这个项目令我感到非常荣幸。
2003年2月
越来越多的会议。人们永远围坐在大桌子旁，吸烟、讨论。分析作品的每一个细节。我意识到组织好5个半小时的奥运会表演，会令我自己的2003年秋冬季时装秀面临危险。第二天我飞回了伦敦。
我专心工作，赶时间。这场时装秀很难做，但是最后的表演效果竟是奇迹般的好。我得到了积极的评价，松了一口气，然后飞往米兰去参加更多的会议，累并快乐着。
2003年3-4月
接下来的几周时间，我往返于雅典。美国Jack Morton制作公司进驻雅典，参与这项庞大的工程。他们的成员之一Paula Ryan给我提供了无价的帮助。
几周过去了，群情逐渐激昂，意见开始成形，设计方案迭出，由于预算的原因，我们的方案一次次地遭到否决，但是我们毫不气妥。
2003年6月
我抽空去纽约考察，去了北部的迪亚艺术基金会博物馆，很有收获。回程时，我额外增加了两个充满灵感的箱子，腰酸背痛。
2003年8月
13日，正好距开幕式还有一年整，当晚我在体育馆度过，当时体育馆还在修建之中。Santiago Calatrava为体育馆的更新设计了一个天顶和两座桥。1896年举办第一届奥运会的体育馆，也将举行部分赛事。
2002年初，在蒂米特里第一次给我打电话之前，我曾递交设计作品，参与为奥运会官员设计制服的竞争。现在我发现我赢了，一如既往，我很高兴地投入到这项工作之中。制服设计得非常简洁，包括为男女自愿者设计的另一种不同的套装。
在这个阶段，我们定期接受希腊奥组委主席Gianna Angelopoulos-Daskalaki的视察，她很苗条、醒目，还会吸烟。
虽然希腊没有银行日这类的公共假期，我还是逃到米克诺斯岛度假。我很高兴，也很尽兴。我又恢复到半个女人的状态，那是我需要的。
2003年9月
我现在感觉好像经常在飞机上，在伦敦、威尼斯的工厂和雅典之间穿梭。我试图完成我的服装秀，同时又不耽搁奥林匹克团队的工作。
9月20日，我举办了2004年春夏服装秀。另我感激的是，服装秀很成功。我希望能向人们解释，从服装观念到现实创作，到可穿的服装，这种持续性的转换是多么的困难。这让我感觉好像在两个完全不同的专业领域工作。
在伦敦的时装大奖赛中，我非常荣幸地获得了“新设计者”奖。典礼是一种对个人的挑战，而对我来说，登上这个舞台完全出乎意料。当我的名字被叫到时，我非常紧张，走到主持人面前时，头发遮住了我的脸。我发表感言，第一句话是“这简直就是一场恶梦…”，事后觉得这么说获奖感言实在不合适。
2003年10月
我有些公务要去日本，因此要飞东京。我几天没合眼，每天早上四点钟要与在雅典的助手Theo开电话会议。每周要搭乘四次飞机。在这期间，有50%的服装定单需要核准，每种款式多达700套。项目合同就是官僚主义产物，范围波及希腊、意大利和英国。
回到雅典，创意团队正在向希腊总理解释整个庆典的理念。总理很高兴，但觉得应当减少概念化，使人更容易接近。
2003年11月
现在我精疲力竭，幸好还有团队和朋友的支持。我男朋友的幽默感尤其重要。服装的概念和尺寸令我压力倍增。但是，能拥有这样特别的设计挑战，我又感觉到是一个馈赠。
2003年12月
圣诞节前两天，我回到雅典，在奥林匹克办公室工作至夜晚10时。大量的技术问题需要解决，主要涉及服装的超大尺寸以及服装的可移动性。
我和家人在雅典过圣诞节。尽量减少各种活动，享受我最喜欢的希腊传统：父母等待他们的孩子。
2004年1月
我们正忙着策划闭幕式，它与其它的部分感觉不一样。开幕式有一种阿波罗神的理性氛围，而闭幕式更像酒神的狂欢。要求有全新的理念和不同的表演者。服装的总数量似乎要增加。我们决定招募平面设计师、时装设计师、雕塑家、画家、技术专家来扩充团队。应对服装问题更像是组合，而不是衣服。
2004年2月
为了2004年秋/冬时装秀，我返回伦敦。我回避不了奥林匹克：英国新闻媒体正在以极高的热情报道雅典的准备工作。醒目的标题诸如此类：“古老的奥林匹克更有组织性”，“雅典的卫城尚未完工”等等。
我的时装秀在东伦敦的一个拉链厂举行。分身术变的越来越难了。时装界不会有人非议，如果我做与奥运相关的事，但是那并不是我做不好这场时装秀的理由。令我感到安慰的是这场得到了媒体的好评。
在雅典，旧的国际机场被改造成为主要的服装运筹中心。团队以单脚滑行车和滑板代步，氛围超好。我决定加入滑板的行列。几秒钟的功夫，我便掩埋在巨大的服装里面，滑板则滚到了另一边。
现在，大部分超大比例的服装都已制作成形，设计团队的创意水平绝佳，尤其是画家Angelos Mentis 和 Constantinos Kypriotakis。
2004年4月
我再次带着新作品回到雅典，第一次得到了一致的赞叹“哇！”
2004年5月
我们召开了一次大型的工艺会议，一度我数到有12个人在讨论一件衣服。之后，设计服装就像在公园里散步般惬意，我坐在俯视体育馆的办公室里，看到体育馆的天顶终于徐徐合拢。
事情开始变得疯狂，我确信这是一个好兆头。
经历过这场大事后，办公室里的每个人，从自愿者到创意总监，都紧张地投入到工作中。我从来没有看到如此多具有奉献精神，勤劳的希腊人共处一个空间。我的内心充满的民族自豪感。毕竟，或许我是一个英国设计师，但归根结底我是一个希腊女性。
2004年7月
希腊赢得2004年欧洲杯时，办公室里人人欢呼雀跃。肯定，这是一个好兆头…。
Unit 15
Less is More or Less is Bore
I．Associated information:
1、文章选自Industrial Design by Chris Wimpey。
2、辅助双语视听材料International Designers Network 2007 –3。
II． Suggestions for teaching points:
Additional reading exercise for the students whose major is Industrial Design. Ask the students to do the translation of the reading and the exercises of it.
Reading A 参考译文
工业设计的特征
关于设计的本质性和客观性，包豪斯校长（1919年至1928年）沃尔特·格罗佩斯曾说过：“一件物品的属性取决与它的功能。要使其发挥正常的功能——一个容器，一把椅子或者一件房子——首先必须确定它的自然属性；它必须完全服务于它的目的，具有实用性，经久耐久，价廉物美。”这是包豪斯在工业设计中的基本准则，至今，这个基本准则仍在生产领域中沿用。
本书所展示插图大部分是20世纪80到90年代期间的工业设计和家具设计作品，与包豪斯的传统理念并没有太多的共同点。譬如80年代的设计总体上更加倾向于新知觉理论。80年代在建筑领域的辩论，使这个议题更加清晰：米斯·凡德·罗提出“少就是多”的口号遭到文杜里拙劣的模仿 “少就是单调”的反击。被实用第一的功能主义链条所束缚的想象力，再次有了飞翔的自由。在一段时间里，“少就是多”被认为是贫乏的风格，但是却有很多设计师对此不以为然，决然抛弃不讲功能的设计风格。包豪斯学校和乌尔姆设计学院的设计观念当时在德国被广泛传播,单调乏味得令人流泪。Ettor Sottsass作为阿基米亚工作室的共同创始人和米兰孟菲斯活动的发起人无疑有所保留：“我并不特别喜欢德国的设计理念，既一件物品必须是单纯、朴素、实用和前卫的。”
意大利人进一步推进了后功能主义运动的发展。一开始是阿基米亚工作室（领军人物有Alessandro Guerrior, Sottsass, Alessandro Mendini），后来在80年代早期，出现了孟菲斯运动（核心人物包括Scottsass, Michee de Lucchi and Mateo Thun）。孟菲斯运动对功能主义与70年代的反设计运动并不感兴趣，而是提出“形式追随乐趣”这样欣快的口号。他们的产品没有很多人购买。购买者多数会掷外套于他们设计的椅子上而不会去坐在上面，而书架则被当成是雕塑作品。孟菲斯成为设计摆脱条条框框的同义词。
国际上最负盛名的法国天才设计师菲利普斯达克作为同一时期的设计师，也受到了意大利运动的影响。他的设计既是美观的雕塑艺术品，也同时和功能结合。他牢记孟菲斯的设计信条：设计师必须为人们的生活创建一个舞台。他是一个天才的时代弄潮儿，他把这个信条付诸于设计实践，从小小的勺子到城市的规划。
在过去15年的设计发展过程中得出一个非常重要的结论，人们意识到实用物体的象征性功能虽然被长久忽略，但是对使用者或者是拥有者来说非常重要。这关系到审美密码的问题，审美密码产生群体的归属感，也就是产品的特征。
然而，在过去一两年的设计的发展中可以看到功能方面的设计还是处于核心地位。由于过往无功能主义设计在设计史曾占上风，功能性的概念变得更加复杂。是不是还像格罗佩斯所说的那样，产品设计的特性不仅仅具有功能性，还要“经久耐久，价廉物美？”
Reading B 参考译文
现代家具设计
现代的家具设计已经成为人们咒骂的对象， "现代"一词有了令人不愉快的含义。它使我们想起一切花哨、粗俗、不实用的东西： 颜色鲜艳、式样难看的桌子，靠两条腿勉强保持平衡、极易损坏的架子，上面雕刻着一些莫名其妙的小孔用来哄骗粗心人的椅子，还有象蜘蛛般蹲伏在角落里、有着扭曲的电线的纺锤形灯具。但是，我们决不能将一切好的现代设计和这些品质低劣、意在骗人上当的冒牌货混为一谈。
那么，我们怎样来辨别真伪呢？成批生产的商品只不过是利用了新奇的款式而已，它们使公众对良好的设计也产生了不佳的印象。 “未来主义的” 咖啡馆以它的明亮的镀铬表面，俗艳可笑的桌椅以及在天花板大梁间盘绕着的热带植物带做出了榜样。这种东西是设计师的梦魇。它降低了我们的审美标准，使我们分不清好坏。结果是，“现代的”成了丑陋和讨厌的同义词。
真正的现代设计是既简单又实用的，它的目的在于将制作方法和实际需要联系起来。在维多利亚时代，家具设计和实际生活是脱节的，不必要的装饰使人们忘记了家具的真正用途是什么。现代的设计去掉了一切无关紧要的东西，其目的不在于惊人，而是为了向人们提供美观实用的东西。
一件真正优美的现代家具不应该孤立地去看，而是应该看成室内整体环境设计的一个部分，只有这样我们才能对它的形状、颜色和效用作出评价。现代的房屋有小的趋向，因此，设计家具必须使居住者有回旋的余地。它们应该大小适度，同时又不碍眼；应该只是感觉到而不是看到它们的存在。由于我们能够去掉那些不必要的墙和门，因此尽管房间确实很小，也能给人以宽敞、爽朗的感觉。一件雅致的家具常常可以用来将一个大房间分隔为二，以便充分利用空间和给人以极大的舒适感。在这样的环境中,我们决不会感到象维多利亚式房间墙边凸出的庞大的餐具柜和食品橱所引起的那种沉重、阴郁的气氛。设计得很好的现代住宅，我们真正能安居其中而不会象不受欢迎的房客那样老是忙着搬家的。这样的住宅才是科学和艺术的真正成果，它既赏心悦目，又满足了我们的实际需要。
Unit 16
I． Associated information:
1、 文章选自The Arts by Lee Paradise
2、 辅助双语视听材料International Designers Network 2007 –5。
II. Suggestions for teaching points:
The essay is quite easy, make a fast reading of it.
（Yes or no, or not given questions.）
1. Interior design has developed into a specialized field since the beginning of architecture.
2. The interior designer’s most important basic concern is the function of the particular space.
3. Space can be exciting or depressing, cheerful or peaceful, depending on the designer’s use of the various elements that shape the whole.
4. “Less is more” does not mean “the smaller the space, the better the design.” Instead, it means that natural textures and colors are generally preferable to imitations.
5. The treatment of space involves both function and appearance.
6. Because it is sometimes impossible to remove all outside noises, the designer can not do much to make them softer.
7. A neutral color is one that never influences our feelings.
8. Because of its influence on size, yellow could be used to make a large one seem smaller, or dark blue to make a small room seem more spacious.
9. “We are really talking about light and color at the same time,” means light and color are closely related.
10. Space, sound, color, and light are the only important factors in the art of interior design.
Reading A 参考译文
室内设计
虽然自有建筑以来室内设计即已存在，但发展成为一门专业实在还是最近的事。室内设计师变得重要起来，在一定程度上是由于一座建筑物可以具有多种功能之故。在一座大楼的主要楼层或低层可以设商店、戏院、餐厅和别的商业机构，而高层则可以做旅馆房间、公寓或各种公司办事处。
当我们认识到要在四堵墙壁之中度过多少光阴时，室内设计的重要性就显得更清楚了。每当我们必须呆在室内时，就会想要使环境尽可能舒适宜人，也会要求每处地方都能合乎实用。如果说你的卧室突然变得像个餐厅，那一定会使你大为震惊。如果办公室像个学校，你呆在那里也不会感到舒服。
室内设计师最关心的头等大事是特定空间的功能，这一点很快就清楚了。举例来说，一所剧院，不管它装饰得多美，如果它的视域设计差，音响质量不行，进出口太少，那就不能用作剧院。然而，对于任何一种空间，设计师必须做出许多同样性质的决定。他或她必须使从天花板到地板每一种东西的外形、结构、明暗和装饰保持协调。另外，设计师通常还得根据实际用途来选择家具或设计嵌入的家具。
设计师在对任何室内空间做出设计决定时，多半要考虑四个基本因素，那就是空间、声、色和光。现在逐项分述如下：
空间的重要性
设计师要考虑的一个极重要的因素是空间。空间可以是使人兴奋的，也可以是使人沉闷的；可以使人感到欢乐，也可以使人感到宁静；全看设计师对构成总体的各项因素如何运用。在现代，空间已成为一项价值昂贵的东西。因此，设计师常常必须用高超的技术在一块有限的空间的创造出所需要的总体效果。部分地由于这个原因，设计师们总是常常搬出著名建筑师路德维格·米埃斯·凡·台尔·罗赫的名言，“少就是多”。
但是，“少就是多”的意思并不是“空间愈小，设计愈好”，而是说设计师必须注意不要在一个特定的空间里使用太多的色彩和结构。这句话也暗示我们，天然的色彩和纹理结构一般要比模拟仿制的好。譬如说，普通的混凝土的总体效果会比砖纹墙纸要好，比较糟糕是砖纹墙纸和仿木纹镶板的组合。
但是，“小就是多”不能成为设计师唯一的准则。如果你不想办法将天然材料的色彩和纹理结构加以变化，房间的内观多半会显得很沉闷。
对空间的处理涉及到功能和外观。譬如说，一幢建筑物可能需要一个入口过道来挡风遮雨，防寒御热。但这个入口处还可以为这幢建筑物室内室外之间提供一个视觉上的过渡，这也是重要的。建筑物大门之内就可以安排一小片花木区，或者在那里安放一两块经过仔细挑选的大假山石。一座石像、一个小池或一棵小树也都是用得上的。
室内空间总的感觉主要决定于对天花板、墙和地板等结构处理的协调。在室内，对门窗细节的处理尤其重要。在现代化建筑中，门通常是用整块的木材或金属做的。无论如何，仔细装配门窗总是非常重要的。在门窗和墙壁的交接处必须处理得妥帖。
如果需要安装楼梯，那么它就可以成为房间里的主要设计因素。楼梯本身通常有一个标准的纵深和梯级间的陡度。但是楼梯的设计有多种可能性。它可直可曲，可以位于房间中央，也可以偏在一边；也可以是开放的或封闭的。另外，楼梯的材料——木质、钢质或石质——可以是暴露的，或者用梯毯复盖。所有这些不同的选择对于楼梯的美观和合适将会有较大的影响。
声的重要性
声在几个方面都是重要的。我们在一个房间里听到多少噪声？必须离开多远才能避开室外某个特别的噪声？经验证明，噪声可以成为几乎是各类房间的大患。虽然有时不可能把室外的噪声都消除掉，但设计师能想出很多办法来减轻它。
减轻室内持续的噪声源所产生的噪声尤为重要。甚至连打字机和电话也可能成为一个问题，在许多人必须一起办公的狭小空间更是如此。
地毯和墙毯有助于排除噪声。屏风可以用来使噪声变样，或者将它限制在房间的某个局部。
色的重要性
颜色能有力地影响我们的感觉，所以特别重要。因此，颜色有时被分为暖色、冷色和中间色。据说红色和黄色是暖色，因为它们能使房间产生温暖感，并且使墙壁看起来似乎更加贴近。蓝色和绿色是冷色，它们给人以相反的感觉，房间似乎冷一些，墙壁好像离得远一些。中间色似乎不影响我们的感觉。棕色和灰色都是中间色，也可以将这些颜色和暖色或冷色调合起来减轻它们对感觉的影响。
我们开始认识到选择颜色的重要性。虽然红色对于餐厅来说也许是理想的，但对于美术陈列馆就不合适了，我们在那里要看的是画，而不是画后面的墙壁。由于颜色能影响大小，黄色可以用来使小房间显得宽敞些，而深蓝色则可以使大房间看起来小一些。
有时我们还用第三种方式称呼颜色，称它们闹色或静色，这又涉及到颜色对我们的感觉的影响了。我们用声音的概念来形容颜色引起我们注意的程度。
光的重要性
颜色无时不在，所以它也直接影响到光。因此我们常说这样的话，“那真是鲜明的蓝色”，或“那红色太暗”。实际上这是在同时谈到光和色。如果我们要减弱亮度，就使颜色深些。如果想要表现尽可能明亮的光，那就用纯白色。
使用哪种光在室内设计方面可能也很重要。在一个公寓房间或住宅里，我们会要求有尽可能多的直射阳光，特别是因为它能给房间带来爽朗、愉快的感觉。但是在美术展览馆，也许需要的是人造的间接的光。这种光可以免除任何阴影，也可以使画上的颜色不受阳光照射。
上面只是简略地谈了一些空间、声、色和光在室内设计艺术中的重要性。我们可以看到，这些因素会在许多重要的方面影响一个房间的总体设计。我们只是谈了一个设计师在他(她)开始进行室内设计以前必须考虑的诸要素中的四点，要知道的东西还多着呢。
正如我们在本文开始时已认识到的，设计师的头等大事是对空间的实际运用。我们所讨论的只是任何室内设计师在进行设计以前必然会面临的一些基本问题。这些问题的答案常常是不容易找到的。
Exercise 2 参考译文
风水
人类从一开始就努力追求三个基本目标：更多更好的财富、健康和人际关系。在有些人顺从地接受生活的同时，另外一些人却决心用行动改变他们的命运。他们最后得出的结论是，其生活的外部环境与现实上述目标所需要付出的努力程度有直接关系。
5000多年前古代中国就发展出一门艺术和科学——风水。风水是道家学说的阴阳、五行和八卦理论的基础上，建立了一套通过所有的物件，如门、床、厨房、家具和附件等的恰当和吉利地摆放，提高自己的和谐、快乐、富裕程度，并改善与他人的关系。这其中就包括了各种建筑物的适当方位，也就是说，选好住房和商业场所的位置可以帮助利用地球的整个能量来达到生命中效率、平稳、健康、和谐的关系以及财富的最大化，进而重新安排和调整生活和工作的空间。
这类行动可能包括移开杂乱无序的物品，重新排列家具、调整睡觉和座位的方向，其它风水方法还有利用鱼缸、喷泉、金属或者移动金属物、阔叶植物、陶器和火器。
Reading B 参考译文
展示设计
在当今的媒介饱和以及设计简约化的市场里，企业形象的成功和它的产品质量以及所提供的服务的成功同等重要。顶级的企业会拨出相当一部分的资金致力于创造一个有力的形象以区别于其他竞争对手。在工业商品展销会上以强大的阵容出现，对于吸引潜在客户尤其重要，因此很多企业在筹划展台时，会聘请顶级的建筑师和设计师策划企业的形象，由此衍生出一个把市场营销和空间设计两个截然不同的原理相结合的新学科。
设计展位对于建筑师和设计师来说是一项新的挑战。较于传统的建筑，展示要求设计师在更小的空间和更短的时间里传达出企业的基本形象，但同时亦允许他们提出更加具有实验性和革新性、不同寻常的解决方案。一个成功的展示设计必须在吸引观众眼球的同时又完美地反映出公司产品和形象。根据这样的标准，本书选集了六十个展位设计作品，当中不乏现今最具创新理念的建筑作品，设计师通过运用不同以往的材料和先进的科学技术来彰显自己的作品，在短暂的时间里创造出深刻持久的印象。展示作品各式各样，从仅有一个狭窄的空间到空敞的大厂房，以及多层的展位空间，展示的商品有珠宝、汽车、建筑材料和家具等等。这本选集综览了展示艺术风格的丰富多彩，从简洁的经典，到高科技和实验性的设计，应有尽有。包括一些具有影响力和才华洋溢的专业人士和设计团队的作品，譬如Cino Zucchi、Traast&Gruson、Jurgen Mayer等等，我们希望这些在展示这个快速发展领域里最有趣的作品，能激发读者的领悟力和灵感。
Fractal Building Systems + Rotor
Fractal Building Systems
Fractal源自于不规则（碎片）、随意性的电脑辅助设计，它是以数字公式为基础，从而引发无限的不可预测的形式。作为设计界潮流的创新者，Fractal Building Systems设计公司希望展位具有美学的外观，设计出目前流行的被称为Fractal品牌的穿孔剖面。由于受到建筑师和设计师的青睐，Fractal公司现在依然不断生产和销售新的预制的形状，并且从未停止开发新的设计素材。所以原创材料未曾停止过发展。
上图是在伦敦100%设计（100% Design）商品交易会上一个展品，用丙烯薄板制作的斑块形状建筑材料，简洁而有震撼力。这件富于“动态”的作品最大限度地利用材料的可塑性和色彩，在鲜明亮丽的红色中，圆体空间犹如子宫同时又具有高科技感。
Jurgen Mayer H.
Stylepark lounge
Stylepark AG 展示了它最新的案例研究项目。这个项目隶属于比利时国际协会联合会和Plancom 2002交易会，是建筑行业规划专业人士的活动。Stylepark委托柏林建筑师 J.Mayer H为来访的同行设计互动休息室。这项工程的理念是创造一个有吸引力和舒适感的休闲空间，来访者可以利用电脑终端进行探索或者互动。这个休息室的主要特点是其终端技术，展示了一种为创造性交流过程提供服务的新软件工具，这个合作设计项目旨在让使用者在有趣的互动过程中获得新的感知。
这个休闲空间的设计体现了新工具的趣味性和创造性。设计围绕这样一个理念：将地毯地面转变为起伏的地形来区分不同的功能需要。交流区域，休闲区，视频投影和互动元素相互渗透，不同元素连接形成一个融洽的景象，但是又各自保持自己的私密性和开放度。传统家具，墙体和多媒体显示屏转变为一个交流空间，这个空间纳入并提供所有这些元素，在空间和参观者之间建立起亲密的互动。
这个的会议休息室是专门为UIA and PlanCom设计的。但它的模式系统可以用在各种结构中，也适合在将来用在别的场所。这些好玩的不同寻常的元素使硬件设施，家具和建筑之间的界限变得模糊。并且促进了游客与游客之间，游客与展览之间的互动。这个设计让交易会参观者带着开放的思维和愉快的心态去体验这些展示新软件工具的终端设施。开放的方式使休息处、会议区域、终端设备以及视频装置，融和成一个整体空间，同时保持各自的职能。
Zeeh Bahls & Partner Design
Siemens
这个展示是一个紧密合作的结果。它是由自动化工业市场领导者西门子自动化和驱动部门，Publicis 广告公司，Zeeh Bahls & Partner Design建筑师事务所，和多媒体公司Luxoom共同完成的一个极具创新和探索精神的展示空间。
设计要求创造三个带有大型开放区域的层次来呈现展览的三个主要概念（不同领域、解决方案和产品），游客从外面就被三个色彩斑斓，生机勃勃的要素所吸引，不知不觉进入到一个引人入胜的舞台中。云彩的形状漂浮在展示台的上方，营造出一个神奇而又轻松的氛围。置身于由光线、移动图象和投影文本组成的“感官之旅”中，游客们情感上沉浸在西门子的世界中了。三块“云朵”分别点燃，入口位置的色彩变换与解决方案和产品区交相辉映。色彩和流动的光线，文本和图像形成一个融洽的丰富的多媒体挂毯，界定不同的区域，同时创造趣味的共鸣并把整个展示融为一体。
穿过滑动半透明的大门，贵宾区里的氛围完全不同。在这里，柔软的形状和各种色彩的背光面板围合着空间，创造出一个平静而又独特的空间，宾客在这里放松和交流。
较低层的“解决途径之路”被设计成星形，连接着三个领域。在连接路径的两端详细解释了主要方案区“工业能源解决方案”，“全集成电源”和“全集成自动化”。这些路径通向产品区域。产品区域被独有的色彩代码橘黄，苹果绿和蓝色标示。游客们能轻松地在这些空间通过，进入到“产品街区”。“产品街区”向四面八方辐射，包含各个独立的产品信息。交流区域是为公司代表和游客之间交流信息而设立的。由单独灯光照射划分出来的柜台很容易分辨，也激发人们的谈话兴致；触摸屏则提供了有关电子商务的信息。
明确界定的路线和色彩编码，使得访问者轻松地通过这个平台了解产品。投影文本和显示器提供了信息，而抽象的元素创造出令人难以忘怀的体验。
“云彩”内侧和外侧的曲线表面以及投影技术是极其新颖的元素。这需要借助高强度的研究和三维计算机模型技术来实现。不断变化的、刺激感官的投影必须精确地扫过“云彩”不规则的表面，以求营造出最佳的效果。设计者必须研究出最前沿的技术才能做到这一点。多媒体环境完全被一个复杂的轻型结构包围，它的目的是再现西门子品牌的活力和精神。这个展示是一个综合应用建筑艺术，图形设计，和多媒体技术的最佳典范。
Unit 17
I． Associated information:
1、 文章选自Peter Zumthor在意大利费拉拉大学建筑系获得荣誉建筑学博士学位仪式上的演讲。
2、 辅助双语视听材料International Designers Network 2007 –6。
II． Language points:
1、 embrace 包括，拥抱，怀抱
2、 set somebody in a particular mood 令某人置于某种情绪之中
3、 have/get a hold on somebody 吸引，抓住
4、 solely and exclusively仅仅是纯粹的
5、 transforming real substances into human sensations使具体的事物转化为人类情感
6、 emotional appropriation or seizure of material 获得，占有/感受
7、 I can provide my buildings with forms 为…提供
8、 go further than this即便如此
9、 constitute，build, erect 建造，构造
10、 enchantment，radiate，magic 魅力
III． Suggestions for teaching points:
This is a very poetic essay. Encourage students to read it loud and learn it by heart. Do a presentation in the class.
Reading A 参考译文
现实的神奇魅力
音乐有某种神奇的魅力。奏鸣曲开始了，首先，中提琴吟出一段滑落的旋律，然后，钢琴声加入,音色和音调营造出一个氛围，它氤氲四周，触动着我，让我沉浸于一种特定的情绪之中。
绘画、诗歌、电影、文字和图像也存在某种魅力。在闪烁的思绪中，在现实的魅影中，在材质、身体、周遭可视、可触、可嗅、可听的事物中，同样存在着使人着迷的素质。有时，某时，某个建筑物或风景的场所，某种情景突然攫住了我，随之产生的感情好似灵魂的颤动，开始甚至意识不到。
耶酥升天日，我坐在克罗斯堂的敞廊下。正对着广场的全景，眼前是房屋、教堂和纪念碑正面。身后是咖啡店的墙。广场上的人不多也不少。花市。阳光。上午11点。广场对面背阴的墙投下令人愉悦的蓝色调。美妙的声音：不远处的人语，广场石板地面的脚步声，人群的细细私语（没有汽车，没有任何发动机的噪音），不时传来远处建筑工地的鸣响。鸟儿，黑色的点，热烈而愉悦地飞翔，在空中勾划着短促的波形图案。假期的头几天已经使人们的步伐显得悠闲缓慢。两个修女交谈着，手语生动，她们走过广场，步履轻柔，头巾在空中飘动。每人提着一个塑料口袋。气温易人，不冷不热。我坐在一个带靠垫的沙发上，绿色的天鹅绒已经有些褪色。面前广场上的青铜像背对着我伫立在基座上，面朝双塔的教堂。双塔的盔胄顶各不相同。它们从尺寸相同的基座上升起，愈近塔顶，愈显得各具特色。其中略高的一个在屋顶的塔尖上佩有金冠。过一会儿，彼特将穿过广场从右边向我走来。
这些是我当时在笔记本上记录下的关于那个广场的印象，因为我看到的一切是如此的令我心旷神怡。今天，重读这些日记时，我问自己当时到底是什么东西打动着我。
所有的！一切！是事物、人群、空气的特质、光线、声音、语调，还有颜色。是材料、纹理，还有形式的存在。形式，是我所能理解的形式。形式，是我尝试解读的形式。形式，是我感到美的形式。
然而，除了这些材料、事物和人类的存在以外，难道就没有其他的什么东西——那些仅仅与我相关，与我的情绪，我的感觉，与我彼时彼地坐在那里的期待相关的东西——可以打动我吗？
“美存在于观者的眼中。”这句话浮现在我的脑海里。这是否是说当时我感受的一切仅仅是纯粹内在的个人心理状态的表达，一种个人存在状态的感染呢？我在那些日子里的个人经历是否与广场本身的氛围基本没有什么关系呢？为了回答自己的问题，我将做一个简单的实验：我设想那个广场消失了，于是很明显，我的那些与广场情景相关的一切感觉也随之淡出，几近消失。
如果没有当时广场特定的气氛，我想，我决不会有那些独特的感受。
于是我重新领悟到：在我们的知觉和周围的事物之间有一种互动作用。作为一个建筑师，我的工作与此相关。我的工作基于组成我们生存境遇的形式、轮廓，还有材料的存在。通过我的工作，我塑造着真实，塑造着空间中环境的氛围，塑造着那些点燃我们知觉的东西。
对我而言，现实的魅力就是把真实物质转化为人类感知的“炼金术”，就是从建筑空间中获得某种情绪或者感受到材质、物质和形式的瞬间。
作为一个建筑师，我可以把空地变成家园、商业大厦或飞机场。通过好的设计我能在允许的造价内建造公寓、剧院、美术馆或时装店，我能为我的建筑提供各种形式去满足对原创或猎奇的需要，对表现性或生活方式的需要。
做到所有这一切并非易事。它需要努力，还有天赋，还有加倍的努力。然而，即便如此，仍然达不到我自己对成功的建筑作品——那些诞生于个人建筑体验的特定瞬间的作品——的要求，于是，我问自己：作为建筑师，我的设计是否真的能够具有某种建筑的氛围，具有独特的节奏和情绪，让人感到现实、安宁、和谐和美呢？
有建筑物或建筑群，或大或小，或重要或显赫，使我感到渺小、压抑、陌生，甚至厌恶。然而也有一些建筑，无论其大小，都能使我感到亲切，如鱼得水，使我感到尊严和自由，使我乐于使用它，把自己的时间寄托于它。我的激情就属于这样的建筑。
于是在我的工作中，我必然回把我的建筑当作身体来建造：把它当作器官皮肤，当作体块或隔膜，当作物质或外壳，当作布、天鹅绒、丝绸、或者表面抛光的钢。
我关注材料互相和谐并随之产生的魅力，在橡木中加入凝灰石，然后再加一些别的材料：3g的白银、旋转的把手、反光的玻璃表面，每一种材料的构成都会产生出某种独特的魅力。
我关注空间中的声响，关注材料的那些惊人特性，关注表面，关注作为听觉的前提——寂静。
空间的气温对我很重要，阴凉、使人凝神的冰爽和轻抚躯体的温暖荫庇。
我想到那些人们在特定空间中为了工作，或者安居而收集的私人物件，并为此创造某一个场所和围护。
我喜欢在想象中把我的建筑物的内部结构按空间顺序展示出来，它会支配并引领我们，但同时也远离并诱惑我们。建筑学，作为静默和诱惑之间空间和时间的艺术。
我关注内与外、公共空间与私密空间层次细腻张力，关注门口、路径和边界。
随后便是建筑的尺寸和尺度的游戏。创造不同层次的私密感和差别微妙的亲近感和疏远感的愿望引导着我为事物寻找适当的尺寸。我喜欢把各种材料、表面和边缘、光洁的或粗粝的置于阳光之下，让物质神秘的深层、阴影以及黑暗的层次浮现出来，彰显出光线照耀在物体上的魅力，直到一切都恰到好处。
Exercise 2 参考译文
新卫城博物馆，雅典，希腊
三项构思，将博物馆非同寻常的条件限制转为建筑契机，体现了具有古希腊简洁明晰数理概念特质的艺术内涵。
蔚蓝天空：光的构思
与其它博物馆相比，新卫城博物馆对自然采光有更多处理。就像雅典的天空与伦敦、柏林和毕尔巴鄂不同，对雕塑和对油画、素描展品的采光设计也不同。该博物馆不仅馆藏独特，还需让其中雕塑展品沐浴在最佳自然光线下。
运动人流：行的构思
访客路线为三维环型，清晰流畅，提供了一条景观大道，串起丰富空间体验。运动路线按年代推进，从考古发掘遗址到帕台农神庙雕刻直至古罗马帝国。依年代编排路线是博物馆的重要特征。日访客量达万人之上，这个进行次序设计得尤其清晰。
基座、躯干、顶端：由概念到建筑
基座漂浮在考古发掘遗址的上方，同时为入口层，临时展厅、商店及辅助设施。躯干是大型双层通高四边形板块，容纳考古到罗马帝国遗迹。夹层设吧台和餐厅，可以眺望卫城和多媒体礼堂。
顶端由长方形的帕台农展厅围绕室内庭院组成。展厅四周玻璃，给以卫城为背景的雕塑提供了良好的自然光线。从远处卫城遗址也可以俯瞰这里展出的帕台农雕刻。采用合围的展厅设计以及最新的玻璃制作工艺技术，以保护雕刻和观众免受过多的玻璃高温和光线照射。雕刻依照帕台农神庙的方向位置陈列，提供了不可多得的历史参照，让后人理解帕台农神庙的鬼斧神工。
Reading B 参考译文
建筑艺术
至今为止，被谈论的大多数艺术都可以在博物馆和画廊中找到。这个部分与社会一个更加永久的组成部分有关——建筑。建筑有双重的功能，为我们提供许多实用需要：居住场所，工作场所，休闲场所等等；它也为许多城市增添特色，为我们的生活添加一个审美元素。最值得一提的是，建筑是一种艺术形式。
那些像画家或者雕塑家那样处理建筑设计的建筑大师们，譬如Frank Lloyd Wright, Philip Johnson, and Frank O. Gehry等等，在开始一个新的项目时，会考虑把它当作对社会审美财富的添砖加瓦。
确定一个建筑作品是否可以被称为“艺术”品的基本准则是形式与功能的互相作用。房屋的功能是为住户提供居所需要。办公楼是为员工提供轻松的办公环境，令工作不那么枯燥乏味，让那些在工作中必须多次往返的地方便于穿梭。
作为艺术品来创作的建筑物的形式，是为建筑师和社会而存在的。就像所有的视觉艺术家那样，建筑师试图把自己置入空间之中。他们想知道，因为这座建筑物一个公共场所被以某种能够反射建筑师个性的方式改变了。比起其他类型的艺术家，建筑师更可能观察到他们对世界的影响。可以说他们的作品是影响力持久的艺术。印度Taj Mhal、罗马的梵蒂冈或者伊斯坦布尔的Hagia Sophia，这些雄伟的建筑已经存在几个世纪了。
然而，作为艺术家的建筑师在接受一个设计委托时，经常困难重重，有来自公众方面的压力，也有委托人或者委任方的压力。艺术家不可抑制的自我表现欲望会服从于建筑本身的建造目的。最声名狼藉例子就是在佛罗里达迈阿密的一座办公楼，像一只巨大的蜗牛。本意大概是要反映设计者的幽默感，但是多年来遭惹许多嘲笑。
另一方面，当私人企业或城市规划者投资建造一座昂贵的大型建筑，例如表演艺术中心时，他们期待(为他们的巨额资金)这座建筑既能满足功能需求，又能满足审美需要。他们知道他们的投资是一座长久保留的建筑，如果没有得到公众的认可，将回遇到麻烦！它将界定他们的城市——或更好或更糟——就像澳洲的悉尼，标志性建筑就是大胆而又倍受国际赞誉的悉尼歌剧院。
悉尼歌剧院经过十六年的建造后在1973年正式开放，这座建筑物拱顶尖尖，白光闪闪，像修女戴的头巾。外部设计考虑到要有最佳的内部音像效果，并且为观众创造了一个提升听音乐乐趣的宜人环境。
悉尼歌剧院也是城市的象征，便于乘船进入悉尼港口的人第一眼就知道他们将访问一个很有艺术氛围，不断进取并且年轻的大都市。 除了提供审美愉悦之外，悉尼歌剧院为市民增添了自豪感。
这个项目也允许一位著名的丹麦建筑师Jorn Utzon作为一位艺术家去表现他自己，不仅服从城市规划者对功能要求，而且还塑造了某些空间来实现他对美的想象。这个歌剧院，简而言之，是城市和个人的汇集点，正如有人说“我们需要一个歌剧院，而你需要幻想变美景。我们为你提供机会，你为我们奉献天赋。”
当然，并不是每个悉尼的纳税人都同意这座建筑既实用又符合审美要求。往往是当环境被一位有前瞻的勇于打破传统的艺术家改变时，就会有许多人诋毁他的努力并且预言他们的城市会变成笑柄。然而，世界舆论一向是在站在Utzon一边的；现在歌剧院经常被提到，当作20世纪建筑学成就之一，形式与功能完美结合的典范。但是，许多居民仍然抱有质疑。每当环境受到重要的和大胆的改变，而这种改变被宣称为美的时候，论战随之而来，经常相当激烈，犹如火山喷发。
现在大家对Frank Lloy Wright (1869-1959)建筑设计的艺术价值有广泛的认同，虽然他的设计在最初被认为过于超前。怀特出生在威斯康辛州的一个小镇子，习惯露天场所，新鲜空气和全景风景，他也一定了解美国城市居民和林立的高楼大厦，住在人口稠密的城市里，居民与大自然少有互动。
和任何伟大的艺术家一样，怀特拥有一种审美情怀：建筑物蕴藏着善、真、美这样一种哲学。金钱未曾是他的首要考虑。他首先想到的是为员工和访客屏蔽那些愈来愈丑陋的城市景象。尽管他喜欢阳光并且广泛运用玻璃，他设置的窗口能让住户看不到停车场和衰败的街道。反而，朝街的一面砌实心砖墙，光从天花板射入。他要住户感觉到好像“在松林之中，呼吸新鲜空气和沐浴明媚阳光。”具有讽刺意味的是，怀特当时立即成为帮助开创现代世界的远见者同时又是令这个世界建筑过多的罪魁祸首。
怀特的最后一件作品——他的代表作，他有很多代表作——是纽约第五大道哥根海姆博物馆（Guggenheim Museum）。它被一些人赞誉为现代建筑学的典范，但也受到另一些人的抨击，说它像一座停车库。大楼外墙是一串环形石料斜坡旋转上升，对城市的噪声形成了一个厚实的障碍。没有窗口，光通过斜坡之间狭小空间透入。在里面，艺术品由间接照明照亮。 艺术家最初的念头就是理直气壮地宣称，他可以为参观者提供一个宁静的绿洲，人类创造的另一个世界。
Frank O. Gehry (b.1929) 把现代美国建筑提高到了新的水平。他的作品倾向于更注重形式同时又没有忽视功能。从一开始，他的建筑设计便具有艺术家的眼光，形成了一种既现代又有他本人特征的风格。对Gehry来说，形式是至高无上的，而他的天才就在于他能够把形式表现得像功能的必然结果。一些评论家认为他的风格不切实际，指责他为了艺术的自我表现而降低功能作用。而艺术家们都赞同他的做法。
至今为止，Gehry最被普遍认同的代表作是位于西班牙毕尔巴鄂的哥根海姆博物馆（Guggenheim Museum）。这里的人民认同艺术，他们了解也热爱创新，虽然有时大胆和喜欢争议，同时也热爱他们的城市，希望能引起全世界对它的关注。
这个建筑没有一点古典风味。不同于Johnson’s的作品，它不对过去表示任何敬意。它自身就是一件巨大的艺术品，走进里面后，访客发现越来越多的艺术品，在宽敞画廊里，灯光为每件展品增添魅力。它甚至比悉尼歌剧院更壮观，博物馆大大地促进了毕尔巴鄂的旅游业，全世界的艺术爱好者蜂拥而至，史无前例，空前绝后。对于那些热爱人文学科的人，这种财政成功确实令人喜悦，并且它也证明了一点，如果给予机会，大多数民众是能感受到审美愉悦的。
Unit 18
Reading A Basic Guidelines for Collecting
I． Associated information:
1、文章选自Arts for Dummies by Thomas Hoving
2、辅助双语视听材料The Bowes Museum。
II. Language points:
1、 something on the order of 大约，与相…似
2、 acceptance into 被…接纳
3、 Put all your eggs into the one-best basket.孤注一掷
4、 in accordance with professional conservation practice与…一致，依照
5、 appraisal, estimate, evaluation 评估，估价
6、 put the work together从事（艺术品的买卖）
7、 another ball game 另外一种游戏
III. Suggestions for teaching points:
Make the essay into a fast reading practice:
Reading A 参考译文
收藏指南
西方艺术品收藏的秘诀是成为某一门类的专家，无论是基于投资还是赏美，范围越窄越好。专心致志于某一门类将会使你成为一个专家，让审慎的购买开始得更早，结果更加令人满意，更具有展览和收藏价值。选择的方式是轻松的看待作品，看待某一类的画家、绘画主题和风格。
无知的收藏家在买艺术品的时候通常会找借口说： “我知道我喜欢什么，我买的就是我喜欢的。” 他不理解收集西方艺术品的第二个秘诀，除非你知道这个艺术家是专业的,否则决不该买他的绘画、版画或雕塑。必须避免收藏学生、业余画家和星期天画家的作品。纯粹装饰性的作品最终也会像旧家具一样没有价值，将降低成本你的收藏档次。
一些职业艺术家的名字,可以在《美国艺术家名人录》这类艺术参考书籍里面查得到，但是被收录进《艺术家名人录》很多时候是根据艺术天赋来决定的，没有明确的客观接纳标准，通常只需提名，而无需筛选。因此，《艺术家名人录》里面的艺术家是专业人士，但大部分最优秀的西方艺术家并不包括在内。
如果你问专家该买什么样的艺术品，他会告诉你，坚持质量、质量、还是质量。这是第三个秘诀，但不幸的是，专家很少解释什么是质量。在购买西方的艺术品时，质量指的是买最好的。最好的有很多方面，包括最好的价格，最好的购买时机，最好的目标，最好的专家，最好的检验，最好的艺术等等，但是你应该要寻找的是你个人的最好。考虑到你的专长和你的预算，你必须权衡方方面面,选择一件最合适你收藏的。最好是单数。买一件力所能及的最好的作品,而不是以同样的价格买一组作品。把所有的鸡蛋放到一个最好的篮子里。
接着要考虑的问题是艺术品本身，虽然艺术品状况通常涉及旧一些的作品而不是当代之作。目的是获得一件状况“好”的艺术品。状况不一定是“好看的”，但必须是艺术家原创的。任何修改都必须根据专业的维护惯例处理，并且要有维护者或艺术家的签署文件证明。
另一个要考虑的问题是艺术品的真实性，主要指的是老一些的作品。尽管作品的作者还活着，收藏家不妨写信给艺术家，要求确认作品，并附上一副请专业人士拍摄的作品照片让艺术家保留。这信件必须通过艺术家的画廊，以保护他的隐私权。
艺术品状况和真实性与艺术品的价值有很大关系。任何程度的修复或者作品的真实性受到任何质疑，都会使艺术品的价值大打折扣。最后，损坏过的或者受过质疑的艺术品可能不再具有投资的价值，即使它看上去签署清晰，状况“完美。”
价值是评估的结果，就像拍卖目录的预售估计，投保一副画或者处理地产所需要做的估价。任何人都是一个鉴定者，做画框的或者维修画的鉴定高以证实要价合理，古董商样样都知道一点，潜在的买家估价低以便压价购买。一个艺术品鉴定者就像是在挑选画家或者艺术品维修工。手上掌握一批熟悉你的收藏品的专家，并且明确告诉他评估的目的。价格是评估的证明，价格是艺术品在拍卖中的体现。
如何购买艺术品没有太大的技巧。买什么比如何买更重要，尽管漂亮的导购小册子可能提示你何时报价,何时投标，如何投标。 通常只有两个的场所可以购买艺术品，私人画廊和公众拍卖行。他们各显神通，不分高下。
拍卖行过去只代表卖方利益，卖方根据销售价格支付全额佣金。卖方占上风，参与售前估价和具有保留权。如今,买方一般支付一半的佣金，没有任何优势。他是被迫在拍卖行购买，因为没有其他方式获得他们锁定的艺术品。买家要小心这个规则，但拍卖是一个必要的步骤。
有许多画廊和出版商也从事艺术品的买卖。从画廊购买，必须谨慎选择经纪人。你可以期待选定的画廊为你提供灵活的购买安排。你可以要求为你锁定一个价格。你也可以要画廊根据你的特殊要求寻找艺术品，一对一谈价钱，并且能得到关于作者签名和艺术品状况方面的详细的保证书。你甚至可以要求交换特权或分期付款。这些保护性条款在拍卖行没有。
销售可能比购买更难。很多收藏家小心翼翼地购买,却手忙脚乱地卖出。有些人与拍卖行有过很糟糕的经历，被冷漠地拒绝或者在出售前才重新商讨。另一些人则害怕把艺术品放在画廊寄售，因为他们听说过艺术品在国内被运往一个又一个的经纪人的事情。销售是另外一种游戏规则，在没有卖出一件艺术品之前，没有哪个收藏者是真正理解艺术品的。他确实应该在画廊或拍卖行之间,寻找可以接受的个人销售途径。
Reading B 参考译文
如何鉴赏艺术
纽约大都会博物馆有着130多年历史，这里有数百位天才的、具有锐利眼光的管理人员（监护人和保护者），他们是各个领域里的行家，如古埃及、兵器、盔甲、版画、绘画、摄影等等。这些年来在博物馆工作过的管理人员拥有各种高等学历——文学硕士、艺术硕士以及博士等，他们来自各地，从缅纽因州到俄勒冈州。然而，在这个庞大的博物馆里，历史上最有成就的管理人员却不具备高等学历，而是自学艺术史成才。他的大半辈子都是股票经纪人。他的名字叫威廉·艾文思。他负责建立起博物馆里一整套的版画收藏。
成为一个鉴赏家的诀窍
什么是“好眼力”？简单来说，就是能够迅速地从各个细微的层面辨别艺术品的质量。艾文思是如何获得如此 “好眼力”的？首先，他有了解艺术的迫切欲望，其次，他有鉴别艺术品的天赋，这一点他多年前也许没有意识到。但那还远远不够。他认为如果没有饱经浸润，他永远不能够以正确的方法鉴赏艺术。提高鉴赏和欣赏艺术品能力的诀窍是多看多了解。艾文思让自己沉浸在成千上万张版画之中，各种类型，不同层次——从天才的神来之笔到细微的瑕疵。如果你仔细研究过伦布朗的数千张版画作品，之中既有保存完好的，也有画砸的，有真迹，也有仿制和赝品，那么你就能用较短的时间辨认品质高下。艾文思就是这么做的，张大眼睛仔细看。
大浪淘沙，去伪存真
如果你认真地研究过十七世纪艺术巨匠鲁本斯的每一幅画作、写生和素描——达数百件之多，你就能够在几英尺远分辨出作品的真伪；如果你在莫奈的全部作品中浸润过——无论是悬挂在巴黎的奥塞博物馆里，还是在洛杉矶的格特美术馆，或是在纽约公园大道某个富有的私人收藏家的卧室内，你就能够成为莫奈作品的专家。经过完整的浸润，你能在百步之遥看出作品是佳作，还是仿制。品位的提升是一个自然而然的时间过程。
身临其境，研究真东西
通过书本的学习或者听取顶级艺术教授或学者的讲座也许有助于提升你的眼力。但并不等于一个渐进的和完整的浸润过程。获得艺术史和考古学博士学位后，我进大都会博物馆工作（管理层的最低一层），我失望地发现，我不得不费力地去摆脱读博士学位时教授手把手传授的艺术理论的束缚。我开始观看鲜活的作品，而不是黑白照片，或者是印刷文字。
最初入职时，我有幸与一位极棒的德国管理资格员同事，他获得一个特殊的会员资格来纽约工作一年，被分配到我的中世纪艺术部。见面几个小时后，我俩就打开了陈列馆里所有的玻璃柜子。几个月里，我经手了数千件作品——手稿、雕塑、珠宝圣骨盒、象牙、珐琅、银器和金器。非常近距离的观看这些稀有物品，从不同的角度，感受它们的重量，用放大镜仔和聚光灯细查地查看，找出时间原因导致的最细微的破损，解开制作的方法之谜。后来，我以这种方式研究了博物馆里几乎每一个部门的藏品。
我的德国“老师”一步步引导我，敦促我去盘问每一件艺术品，把它们当人一样盘问。提问！为什么一些是这样的？而另一些又是那样的？我记得他手里拿着一个美丽的德国哥德式中世纪圣骨盒，这是一个形状像食指的银手指，有三个精致的支架，装饰有一颗精美而巨大的祖母绿戒子。把它吞进肚子里！他鼓励我。用你的眼睛像剥洋葱一样层层解剖！质问它。
上世纪30年代一位富有的专门收藏圣骨盒的实业家把这件藏品捐赠给博物馆。手指圣骨盒极为罕见，饰有祖母绿宝石的圣骨盒更是稀有。这件物品极为精美珍贵，但它并非是13世纪的东西，我的“老师”警告道。这是一件赝品。为了考证，他要我向圣骨盒提几个问题。
祖母绿戒指为什么不能取出来？这是一个坏症兆，因为真正的圣骨盒是不会用世俗的装饰物的。戒指通常在手指骨保存在圣骨盒以后添加上去的，以表示对圣人的崇敬。
为什么在其中一个支架上面有三个小小的银的纯度印记？答案是：这些是典型的出口标志，只用于金制品，而不是银制品，是18世纪的产物，而不是13世纪，是法国制造，而不是德国制造。
为什么用黑色的材料作题铭（碰巧没法读），而这种物质是一种常见的焦油（我的“老师”很容易地掰下一小块，并且放到嘴里尝了一下）？这种物质应该是一种漆黑的珐琅（叫乌银）。
以上这几个问题的答案归结起来证实了圣骨盒是假的。毫无疑问，是用来欺骗有钱的收藏家的。显然，他购买的祖母绿宝石是真的。通过浸润，逐渐地我也能够自行提问，并且能够发现症结所在。通过读书和参加研讨会，我可能永远也学不到这个窍门。通过浸润，我成为一名鉴赏家，任何作品，只要看一眼，就能够有所反应。看一眼，就可知晓它的品相——好、甚佳、或上佳。我可以立刻做出决定，买，抑或不买。
保持眼光的敏锐
无论你如何狼吞虎咽都没有关系。看原作是至关重要的，但是看图片也可以令你的眼力有经常性的训练。现代艺术经纪人最大的一个特点，就是临睡前看几十幅各种不同作品的照片。保持眼光的敏锐。
浸润并不意味着仅仅看艺术家的原作，或者某个时期的原作。同样也意味着有判断地阅读学术文章和有选择地看专业杂志。但是，底线是观看，观看，更多的观看。观看可以令一个完全没有经过训练的人变成一个头脑灵活，目光敏锐的人（因为观看可以令你视野大增，眼镜片铮亮），变成一个超级的艺术专家。只要有一点心思，有一点时间，任何人都能做得到，多美啊！
基本要素是不要放过任何机会去仔细观看艺术品，让你的手指抚摸其表面（如果允许的话），然后提出一系列尖锐的问题。我从来不放过这种机会，无论什么艺术品，我都可以从中得到启发，发现感兴趣的东西。
本文来源：https://www.2haoxitong.net/k/doc/01399f4f33687e21af45a97a.html
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